Cinema Meu Amor

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2009-12-01T03:41:00.003Z

Já dizia um professor meu: "com a excepção de dois ou três realizadores já ninguém encena em cinema. Hoje em dia não se pode usar o termo Mise en scène. Ela acabou!". Cá para mim, quando disse isto, estava com saudades do Bergma, Hitchcock, Welles, Godard, Kubrick, Ford, Fellini, Kurosawa, Eisenstein, Ozu, Bunuel, Truffaut, entre outros. Foi o professor que melhor me ensinou a ver o cinema.

"The Bachelor"

2009-06-04T16:56:00.009+01:00

Fujo agora um pouco à temática central deste blog para dar conta do quarto disco de originais de um mais interessantes músicos pop dos tempos que correm. Falo do britânico Patrick Wolf e do seu novo trabalho “The Bachelor”. Pessoalmente aguardava com bastantes expectativas este novo álbum e por muito elevadas que elas fossem o certo é que não saíram de todo defraudadas. “The Bachelor” apresenta um Patrick Wolf a querer finalizar experiências que em discos anteriores fizera. As electrónicas regressam, mas agora misturam-se com a pujança sinfónica do anterior “The Magic Position”.
O que antes era alegria agora passou a ser revolta. Os tempos são outros, são aqueles que tão espantosamente canta em "Hard Times", segundo single e possivelmente um dos pontos altos do álbum. Segue-se “Oblivion” e consequentemente a apresentação de uma voz que percorre todo o disco: Tilda Swinton. Voz que foi explicada pelo próprio Patrick Wolf como “a voz da esperança”.
O romantismo quase assombroso de “Damaris”, “The Sun is Often Out” e “Blackdown” dizem muito do ambiente musical que Wolf pratica. Agora procurando imprimir um tom mais épico à composição, tanto pelo dramatismo das melodias como pela utilização de coros, diga-se de passagem extremamente bem conseguidos, como se pode confirmar não só em “Damaris” e “The Sun is Often Out” como também em “Count of Casualty” e “Who Will?”. Mas por aqui passa também a revolta que é “Battle”, tema que juntamente com “Vulture” explora as electrónicas, agora com a ajuda de Alec Empire em ambos os temas.

É importante referir que o talento de Wolf como letrista está ainda mais evidente. Tanto nos convence por completo a “lutarmos” a seu lado na “batalha” que canta em “Hard Times”, como de seguida nos desarma com o comovente lamento (dedicado a um poeta seu conhecido que se suicidou) que é “The Sun is Often Out” (letra aqui).
No final de “The Messenger” (último tema) não é difícil concluir que Patrick Wolf organizou cuidadosamente o alinhamento do disco e que o material que lá colocou atinge o seu perfeito estado quando entendido como um conjunto. Wolf combina na perfeição o testemunho pessoal com uma mensagem (e sim, é ele mesmo o mensageiro) bem mais abrangente. Reflectindo ainda o seu tempo com uma voz invulgarmente crítica. Para o final guarda a luz ao fundo do túnel, e na despedida diz: “When all else fails remember, always, always the open road”.
O disco tem aproximadamente uma hora, mas tal é o fulgor com que Wolf agarra as músicas que ao terminar pedimos mais. É certo que o teremos, mas só para o ano. Em todo o caso “The Bachelor” é o melhor trabalho do músico, a confirmação (se tal fosse necessário) de uma das maiores certezas da pop actual.

Twitter

2009-03-10T03:43:00.003Z

Serve este post para informar que, como se pode ver pela coluna à direita, aderi ao Twitter. Pouco mais é que um complemento ao Cinema Meu Amor, já que o que lá escrevo está muitas vezes relacionado com a temática que abordo neste blog. Sendo assim, achei por bem colocar esta pequena extensão, para que as pessoas que por aqui passam leiam também o que escrevo no Twitter.

United States of Tara

2009-03-07T03:09:00.003Z

A ficção televisiva tem destas contrariedades, tão frequentemente é subaproveitada como de seguida nos dá todos os motivos para a aplaudirmos. Neste caso a responsabilidade do que acabo de dizer recai sobre a mais recente série da Showtime (o mesmo canal de Weeds e Californication) com o título muito sugestivo de "United States of Tara". A série, criada por Diablo Cody (Juno) e produzida por Steven Spielberg, debruça-se sobre Tara, uma esposa e mãe que diariamente luta para manter o equilíbrio entre a sua família e a doença que a afecta (distúrbio de personalidade múltipla). De louvar que tudo isto seja filmado com uma sensibilidade e sinceridade fundamentais para a concretização de tão ambiciosa encenação: afinal de contas aqui se tenta trabalhar esse espaço perigoso e delicado que existe entre a comédia e o drama. Ou como tudo o que vemos contem sempre essa pluralidade de formas. É também agradável que possamos ainda desfrutar do desempenho impecável (num papel sujeito às mais variadas nuances) de Toni Collete, sem esquecer evidentemente a excelência do restante elenco e sublinhar em particular o mais novo dos seus elementos Keir Gilchrist, no papel de Marshall, filho de Tara.

The Oscars - The 81st Academy Awards

2009-02-23T17:50:00.003Z

Entregues que estão os Oscars, eis sem mais demoras os vencedores da noite:

Best Picture: “Slumdog Millionaire”
Best Director: Danny Boyle, “Slumdog Millionaire”
Best Actor: Sean Penn, “Milk”
Best Actress: Kate Winslet, “The Reader”
Best Supporting Actor: Heath Ledger, “The Dark Knight”
Best Supporting Actress: Penelope Cruz, “Vicky Cristina Barcelona”
Best Adapted Screenplay: “Slumdog Millionaire”
Best Original Screenplay: “Milk”
Best Art Direction: “The Curious Case of Benjamin Button”
Best Cinematography: “Slumdog Millionaire”
Best Costume Design: “The Duchess”
Best Film Editing: “Slumdog Millionaire”
Best Makeup: “The Curious Case of Benjamin Button”
Best Music (Original Score): “Slumdog Millionaire”
Best Music (Original Song): “Jai Ho” from “Slumdog Millionaire”
Best Sound Editing: “The Dark Knight”
Best Sound Mixing: “Slumdog Millionaire”
Best Visual Effects: “The Curious Case of Benjamin Button”
Best Animated Feature Film: “WALL-E”
Best Foreign Language Film: “Departures”
Best Documentary Feature: “Man on Wire”
Best Documentary Short: “Smile Pinki”
Best Short Film (Animated): “La Maison en Petits Cubes”
Best Short Film (Live Action): “Toyland”

Destaque para o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro (Departures) e Melhor Actor (Sean Penn), que, conjuntamente com a própria cerimónia, proporcionaram o que de mais inesperado houve, num espectáculo muito bem conduzido por Hugh Jackman e com bastantes alterações na sua estrutura. A nova forma de apresentação dos nomeados para as categorias de representação foi, sem dúvida, um dos pontos positivos da noite, a par dos discursos de Sean Penn, Dustin Lance Black e Kate Winslet.

Rachel Getting Married

2009-02-18T17:41:00.006Z

A pergunta que “Rachel Getting Married” faz é a mesma que tantos outros filmes tendem a ignorar descaradamente: Como entendemos o cosmos que é a família de hoje? Ora, onde esses outros filmes pecam por falta de reflexão, o mais recente filme de Jonatham Demme consegue a proeza não só de fazer a pergunta como também de a reflectir ao mais ínfimo pormenor.
Demme ultimamente tem direccionado o seu trabalho à realização de documentários, tendo como tema comum o meio musical, mas não nos esquecemos que ele é precisamente o nome por detrás de filmes como “The Silence of the Lambs” ou “Philadelphia”, filmes esses que o tornaram um dos grandes nomes do cinema norte-americano. O mesmo afirma ainda que não fazia tenções de retomar, pelo menos tão prontamente, a ficção, mas que ao receber o argumento escrito por Jenny Lumet mudou de ideias e o resultado dessa decisão não poderia ter sido mais positivo.

“Rachel Getting Married” é antes de mais um magnífico retrato de um quotidiano marcado por todos os seus encantos e sobretudo desencantos. Que além do mais não esconde os seus intervenientes naquele facilitismo representativo que os entende como o resultado da vontade do espectador. Por outras palavras, Jonatham Demme procura representar aquilo que entende dos seres que habitam aquele quotidiano. A identificação espectador/personagem é totalmente secundária. Não tenta colorir aquele mundo, procurando antes uma verdade nas coisas.
Com a adopção de uma estética fotográfica próxima daquela presente nos chamados “filmes caseiros” atinge uma consistência e uma coerência, que por exemplo, “Slumdog Millionaire” não conseguia atingir com a que tinha adoptado, e reivindica essa mesma estética como parte fulcral e activa daquele particular universo.

Convém ainda dizer que tudo isto é sustentado por um felicíssimo elenco, onde se destacam as performances de Anne Hathaway, Rosemarie DeWitt e Debra Winger. É uma autêntica delícia ver aquele triângulo a funcionar como um organismo sempre vivo e além do mais surpreendente.

Cinema de ontem, de hoje, de sempre (6 Cont.)

2009-02-14T17:49:00.001Z

Ainda sobre “All the President’s Men”, gostaria ainda de aqui colocar o segmento final do filme: os dois jornalistas escrevem (em segundo plano) “O” artigo numa perspectiva que os parece colocar frente a frente. No primeiro plano, na televisão, Nixon jura sobre a bíblia “preservar, proteger e defender a Constituição dos Estados Unidos da América”. Como não encontro o excerto na internet, fica aqui um fotograma do plano:

Cinema de ontem, de hoje, de sempre (6)

2009-02-14T03:48:00.003Z

Devo confessar que só muito recentemente vi “All the President’s Men” de Alan J. Pakula. E digo isto para que se entenda que o enquadramento que pretendo anunciar estará obrigatoriamente condicionado por esse aspecto.
Ora não é que ao reflectir, entre outras coisas, sobre a personagem Deep Throat (Hall Holbrook), mais concretamente as cenas em que aparece, dei por mim a pensar o bom que seria se os mais recentes filmes de suspense e thriller possuíssem metade que fosse da intensidade dramática presente naqueles poucos minutos em que vemos o famoso informador do caso Watergat. Existe aqui quase que uma aura sagrada, tão frágil e privada. A encenação é perfeita, fazendo crer que o mais pequeno som fora daquela intimidade poderia ter as repercussões de uma explosão. Isto sim é de cortar a respiração.
Não era este a cena que queria mostrar, mas para todos os efeitos preenche os requisitos:

Happy-Go-Lucky

2009-02-13T17:11:00.002Z

Existe um problema de fundo no mais recente filme de Mike Leigh: Todo ele é concebido com um intuito tão obstinado quanto redutor. Poppy, personagem central do filme, é ao mesmo tempo uma (péssima) metáfora e uma armadilha para a actriz que a representa: Sally Hawkins possui uma ideia tão concreta do ser que representa, de como deve agir, falar e pensar, que a certa altura a própria personagem parece não só não evolui, como não apresenta qualquer desafia para a actriz, quase que como a personagem soubesse de antemão as repercussões que um determinado acontecimento iriam ter psicologicamente (e fisicamente) em si. Entenda-se que não estou a afirmar que um determinado actor não deva conhecer a fundo a personagem que representa, estou antes a dizer que quando a personagem que representa não possui mais que uma ou duas formas de estar e de sentir, esse actor tende a estereotipar o que já de si é estereotipado. Aquilo que deveria ser uma preciosa descoberta para Poppy (ela mesma) torna-se num esquemático e formal processo de mera apresentação.
Tudo o resto é secundário. Aliás, secundarizado pelo próprio Leigh, e a ideia com que se fica é de que assistimos a um projecto em desenvolvimento, ou seja, existe uma ideia de filme mas essa ideia não chega a ganhar corpo.
Não duvido das boas intenções de Leight, de cuja obra sigo atentamente, aquilo que me entristece é a falta de coração e o excesso de cabeça. Seria interessante ver o equilíbrio entre os dois, porque Leigh continua a saber filmar.

Milk

2009-02-09T20:22:00.008Z

Reflexão eminentemente política dos destinos colectivos mas mais que isso um comovente retrato das motivações individuais e do efeito que (creio) possuem no(s) outro(s). Milk, a história conhecida, e extraordinariamente revisitada no documentário de 1984 (The Times of Harvey Milk" de Rob Epstein), aliás ponto de partida para o argumento escrito por Dustin Lance Black, é agora pensada por Gus Van Sant, que além de ficcionar com precisão as circunstâncias e modos de vida de um local numa determinada época, conseguindo transmitir na perfeição o ambiente lá vivido, fá-lo antes de mais através de um respeito enorme pelos intervenientes. Harvey Milk, o principal, é aqui visto não como um herói mítico, mas antes como alguém concreto e ao mesmo tempo complexo. Diga-se desde já que este Milk é na sua essência tão experimental como qualquer outro filme de Van Sant. Os elementos mesmo mais subtis não escondem a precisão retratista do realizador: a obsessão quase que doentia pelas personagens, esse olhar que parece querer dissecar a alma de tudo o que respirar, não obrigatoriamente pela via das palavras (veja-se o exemplo da nudez no olhar de Josh Brolin).Ou então a extrema sensibilidade na exploração dramática de determinadas cenas, aqui com a ajuda preciosa de Sean Penn, numa composição mais que a procura da imitação perfeita dos maneiros e forma de falar de Harbey Milk, a querer recusar todo e qualquer facilitismo dramático. Ele que tão bem usa o texto: veja-se o poder dramático presente na cena em que fala ao telefone com Scott (James Franco). Cada palavra contêm em si a esmagadora percepção de um final, ou então, a emotiva clarividência da mais cristalina descoberta:
"-I don't wanna lose this
- What?
- This."
Toda a cena é ela de um intimismo quase sagrado, aliás, muito bem fotografada por Harris Savides, que consegue ainda conjugar na perfeição as imagens de arquivo com as que filma.
Um objecto, além do mais, de grande actualidade e de uma urgência tocante. Inspirador.

Cinema de ontem, de hoje, de sempre (5)

2009-02-09T19:06:00.003Z

Será preciso dizer alguma coisa?!

BAFTA 2009 - Vencedores

2009-02-09T03:37:00.003Z

Foram entregues ontem os prémios britânicos BAFTA. Tal como nos Golden Globes, o melhor filme coube ao filme de Danny Boyle que também arrecadou o BAFTA de melhor realizador. Aqui fica a “foto de família” seguida da lista completa dos vencedores:

BEST PICTURE: Slumdog Millionaire
BEST DIRECTOR: Danny Boyle, Slumdog Millionaire
BEST ACTRESS: Kate Winslet, The Reader
BEST ACTOR: Micky Rourke, The Wrestler
SUPPORTING ACTOR: Heath Ledger, The Dark Knight
SUPPORTING ACTRESS: Penelope Cruz, Vicky Cristina Barcelona
BRITISH FILM: Man on Wire
ANIMATED FILM: WALL•E
CARL FOREMAN AWARD: Steve McQueen, Hunger
FILM NOT IN THE ENGLISH LANGUAGE: I’ve Loved You So Long
ORIGINAL SCREENPLAY: Martin McDonagh, In Bruges
ADAPTED SCREENPLAY: Simon Beaufoy, Slumdog Millionaire
CINEMATOGRAPHY: Anthony Dod Mantle, Slumdog Millionaire
VISUAL EFFECTS: The Curious Case of Benjamin Button
MAKEUP and HAIR: The Curious Case of Benjamin Button
PRODUCTION DESIGN: The Curious Case of Benjamin Button
SCORE: AR Rahman, Slumdog Millionaire
SOUND: Slumdog Millionaire
EDITING: Slumdog Millionaire
COSTUMES: The Duchess
RISING STAR: Noel Clarke
SHORT ANIMATION: Wallace & Gromit: A Matter of Loaf and Death
ACADEMY FELLOWSHIP: Terry Gilliam

Slumdog Millionaire

2009-02-09T03:11:00.007Z

Apetece começar com a pergunta: afinal de quem é (quem realiza) Slumdog Millionaire? E a resposta mais lógica e certamente correcta é dada pelos próprios créditos do filme: Danny Boyle. Então explico o porquê da pergunta aparentemente tão despropositada que fiz. Terminado o visionamento de Slumdog parece-me que o que vi não possuiu aquilo que demarca os grandes da restante trivialidade: a visão singular das coisas. Já aqui referi precisamente isto aquando de Ron Howard e do seu Frost/Nixon. Se bem que, comparando o incomparável, Frost/Nixon ainda assim se distancia qualitativamente de Slumdog, quanto mais não seja pelas performances do elenco.
Mas voltando a Danny Boyle e à sua grande ambição: Como retratar algo tão complexo como um país (neste caso a índia)? Boyle aparentemente viu a miséria e a pobreza de milhões e milhões de habitantes, provavelmente quis demonstrar isso mesmo fazendo-o através dos "olhos" de Jamal, um jovem que, na incessante procura por Latika, por quem está apaixonado, vê no famoso programa televisivo "Quem quer ser milionário?" a oportunidade perfeita. Ora, o problema aqui não é de todo a pretensão, nobre até. O problema é precisamente a execução. Que a meu entender falha. Porquê? Em primeiro lugar pelo que já disse (falta de singularidade) e em segundo porque aquilo em que o filme se transformou é exactamente o contrário do que pretendia ser. Indo por partes:

Boyle parece não possuir grande interesse naquilo que seria íntimo, único e insubstituível: os seres que habitam o ecrã. As personagens aqui presentes raras vezes são mais que uma ideia. A principal, Jamal, o herói martirizado. A convencional idealização de sucesso. O irmão, vilão que a certa altura busca a redenção. Já Latika nem uma ideia em si chega a possuir, é apenas o desejo de outrem.

O espaço, factor esse de extrema importância, é prejudicado pela própria noção de tempo. Não é surpresa nenhuma a forma como Boyle se move de cena em cena e mesmo dentro de cada cena. Aliás, por muitos considerado a imagem de marca do realizador. Montagem vertiginosa à procura da surpresa para assim dar a noção de fulgor e um pulsar energético. O que convenhamos resulta numa parafernália de cortes aleatórios de cinco em cinco segundos a lembrar um qualquer filme de acção/aventura ou então um anúncio publicitário.

E depois, a estética fotográfica utilizada acompanha isto tudo com um recurso exagerado e totalmente antagónico (em relação à ideia realista do filme) da saturação cromática e por conseguinte contrastante. Se me permitem, plasticamente (no sentido pejorativo do termo) contrastante.

Por último e talvez mais grave é aquilo que se entende como o motor da própria história: o relacionamento entre Jamal e Latika. Todo ele é pobre dramaticamente, pouco credível e muito ingénuo. Mais parece saído de uma qualquer comédia romântica, tal o nível caricatural com que os sentimentos são vistos.
Prémios e polémicas à parte, o que resta de Slumdog Millionaire (o filme) é muito pouco, e o realismo que invoca, na verdade, não o é aqui, na Inglaterra ou na Índia.

Entrevista a Mike Nichols

2009-02-05T18:25:00.002Z

Vale a pena ver esta entrevista conduzida por Charlie Rose a Mike Nichols, encenador e cineasta conhecido do grande público com obras como “Who's Afraid of Virginia Woolf?”, “Angels in America” ou “Closer”. No entanto, não se fala aqui de cinema ou televisão mas sim da peça que em 2005 o encenador levou à Broadway com o nome de "Spamalot", peça essa inspirada no filme "Monty Python and the Holy Grail". Sabedoria e humor na voz do já galardoado com o Oscar de Melhor Realizador em 1968 por “The Graduate”.

“Something just clicked”

2009-02-04T10:28:00.003Z

Cinco duplas que vão desde Nicole Kidman e Baz Luhrmaaa a Gus Van Sant e Sean Penn foram fotografadas por Annie Leibovitz para a revista Vanity Fair (tendo por sugestivo título “Something just clicked”) num total de 10 fotografias com um denominador comum: Actor e realizador. Dos aqui presentes 9 têm uma nomeação para os Oscars a serem entregues dia 22 de Fevereiro deste ano. No site, o “slideshow” termina com a “dupla” que mais tempo tem trabalho junta:

31 Days of Oscar

2009-02-03T20:54:00.002Z

Fantástico promocional feito pela TCM para publicitar a sua programação. Intitula-se "31 Days of Oscar" e vale a pena ser visto:

P.S. Outro dos aspectos em relevo nesta programação da TCM é o facto dos filmes passados entre dia 1 de Fevereiro e 2 de Março não possuírem intervalos. Uma ideia bastante interessante, quem sabe possível de ser aproveitada pelos nossos canais.

Frost/Nixon

2009-02-03T20:33:00.002Z

Frost/Nixon é sem grande margem para dúvidas o melhor filme de Ron Howard. O que por si só, diga-se, não coloca a obra em questão num elevadíssimo patamar de qualidade. O que faz então este revisitar da famosa entrevista conduzida em 1977 por David Frost a Richard Nixon um caso de sucesso na filmografia do realizador? Muito concretamente: o tema em questão e o argumento de Peter Morgan. Ou ainda, se quisermos, o elenco, com especial destaque para a composição de Frank Langella. Do que retiramos contudo da performance de Howard? Retiramos a mais básica das encenações, o mais gritante desaproveitamento do potencial dramático de algumas situações, enfim, a evidente falta de singularidade. Nada que já não esperasse do realizador, que, como já disse, neste caso teve a ajuda decisiva de um interessantíssimo argumento para conseguir erguer a um nível razoável a qualidade do filme. Pena, porque o material em causa poderia dar azos a algo bem mais requintado.

Vicky Cristina Barcelona

2009-02-03T02:42:00.002Z

Poderemos desde já adiantar que este não é dos trabalhos mais conseguidos de Woody Allen. Todavia, desde essa obra de referência chamada Match Point, apresenta-se como o mais interessante. Agora que filma em Barcelona, e por muito que queira dar uma importância elevada à cidade, torna-se evidente que não o consegue fazer com o mesmo brilhantismo que o fez com a emblemática Nova York. Retirando esse aparente desconforto no domínio total do espaço, ficamos ainda com a impressão de que Allen tentou em demasia, por vezes parecendo a narrativa bastante forçada. Dito isto é também certo que esporadicamente se vê alguns rasgos de verdadeira inspiração, não serão, porém, tantos como se esperaria do autor de Annie Hall e Manhattan.

The Duchess

2009-02-02T00:49:00.001Z

Visto The Duchess ficamos com a impressão de que vimos qualquer coisa que deambula entre um filme (diga-se não tão exemplar quanto isso) e uma qualquer reconstituição histórica de um documentário televisivo. Quanto mais não seja porque, e apesar do esforço dos actores, as personagens são meras amostrar de determinado comportamento ou atributo, uma visão tão redutora dos seres quanto ingénua. Parece que os esforços de Saul Dibb se centraram no aparato, um pouco exibicionista, dos elementos ligados à direcção de arte (guarda roupa e cenários), já que de essência e sensibilidade pouco existe.

The Curious Case of Benjamin Button

2009-01-17T04:27:00.010Z

Começo por dizer que pouco ou nada do que aqui escrever fará jus absoluto à “estranheza” do que acabo de assistir e que vem a ser o propósito deste post. Porque aquilo que aqui disser será sempre e constantemente uma ausência. Neste caso mais acentuada pela impossibilidade (pelo menos para mim) de descrever algo sem saber exactamente o alcance daquilo que foi experienciado. Diria então, para simplificar, que existem filmes que são de fácil recordação, existem outros que nos transportam para mundos desconhecidos, outros ainda que carregam aquilo que queremos dizer e não conseguimos, e por fim, existem filmes que simplesmente… dançam. Dançam ao som de qualquer coisa sem espaço nem tempo, qualquer coisa nesse intermédio impossível de identificar. Mas que transporta consigo todas as convulsões e enigmas de uma vida. Quando esse som termina temos a profunda certeza que fomos apenas nós que deixamos de o ouvir. Esse som era afinal a candura do intemporal.

“The Curious Case…” é primeiramente todo este corpo material e imaterial de experiências, é em segundo lugar, uma preciosa viagem pelo encantamento do desconhecido. Pelo ficcionado, pela crença em absoluto no poder da fábula. Mais do que isso, pela cristalina verdade de cada frame filmado, de cada palavra dita, de cada silêncio sentido. É pura contemplação. Um exercício que recusa, além do mais, todo e qualquer facilitismo dramático, numa procura incessante pela sua própria verdade.

E essa verdade é também o curioso caso de Benjamin Button, que nasce velho e com o passar do tempo rejuvenesce. É a jornada de uma vida com tudo o que de particular e, irremediavelmente, de único contem. São sensivelmente duas horas e meia de uma comovente reflexão sobre a vida e a morte, e aquilo que de frágil existe no intermédio.
E depois de toda uma viagem prodigiosa, como findar aquilo que de si recusa toda e qualquer noção pré-estabelecida de tempo? É, tendo essa noção, que David Fincher nos dá aquele que é possivelmente um dos finais mais memoráveis do cinema.

O talento de David Fincher já não é surpresa nenhuma, e o que aqui faz com o incrível argumento de Eric Roth, é não só um reforçar dessa certeza, como mais que isso uma genial demonstração de versatilidade. Apague-se essa ideia que tem vindo a considerar Fincher como um cineasta de pólos, de uma pujança crua e fria. Sim, Fincher também é isso, mas é muito mais. Essa sua versatilidade é não só em termos técnicos (a era digital para Fincher já tem nome) como também em termos de composição dramática. Composição essa em parte fruto da contribuição de mais uma tocante banda sonora composta por Alexandre Desplat, do olhar cândido da lente de Claudio Miranda e do tremendo perfeccionismo da equipa artística.

Para além de tudo isto, torna-se impossível não mencionar a subtil e precisa interpretação de um Brad Pitt como há muito tempo não se via, se é que alguma vez se viu assim. Da desarmante e mais uma vez encantatória Cate Blanchett, bem como da curta presença, mas não menos memorável, misteriosamente sedutora Tilda Swinton.

Apetece mesmo dizer, numa época do ano como esta, que se “Slumdog Millionaire” for pelo menos metade do filme que “The Curious Case of Benjamin Button” é, então não há qualquer dúvida da justeza (se tal conceito nestas circunstâncias existe) do Globo de Ouro para Melhor Filme. Quanto ao filme de David Fincher, não me parece que estivesse em competição. Correndo o risco de estar a ser sensacionalista, “The Curious Case of Benjamin Button” não é deste tempo, sendo ainda um filme de um qualquer outro universo.

Changeling

2009-01-15T17:22:00.005Z

Ficaríamos surpresos perante uma obra como “Changeling” se não soubéssemos à priori tratar-se de “mais” um filme daquele que é porventura um dos maiores nomes do cinema contemporâneo. Arrojado na criação dos ambientes, sendo que a Los Angeles que vemos no filme é resultado de uma inspiradíssima recriação (desde o guarda-roupa à direcção artística) histórica, mas bem mais importante que isso, uma emotiva viagem pelo interior de uma personagem (Christine Collins) em permanente luta para encontrar o seu filho desaparecido. Se o díptico “Flags of Our Fathers” e “Letters from Iwo Jima” pode ser entendido como uma obra aberta, na medida em que retrata as feridas de um colectivo (americano, claro está), então Changeling será por oposto uma obra mais fechada, intima. Para isso converge toda a ambiência taciturna criada não só pela magnífica fotografia de Stern como também pelo pulsar contemplativo da montagem. Tudo isto é filmado (e já agora, musicado) com a precisão e o encanto já característicos de Eastwood que dirige ainda uma Angelina Jolie em estado de graça.

Golden Globes 2008

2009-01-12T04:40:00.008Z

Foi divulgado à pouco menos de uma hora os vencedores dos Golden Globes. As previsões confirmaram-se e o grande vencedor da noite foi mesmo o filme de Danny Boyle (que também ganhou o Globo para melhor realizador) Slumdog Millionaire. Já na categoria Comédia/Músical o Globo foi para Vicky Cristina Barcelona de Woody Allen. O Globo para melhor actor coube a Mickey Rourke por The Wrestler e Kate Winslet levou para casa dois Globos, o de Melhor Actriz por Revolutionary Road e Actriz Secundária por The Reader. Nas categorias para televisão, os premiados foram Mad Man (Melhor Série Dramática) e 30 Rock (Melhor série Comédia/Músical). A lista completa dos premiados pode ser vista aqui.

A Batalha de Wolf

2009-01-09T04:22:00.006Z

Os dois discos que Patrick Wolf anunciou para este ano serão mesmo lançados separadamente, sendo que o primeiro chamar-se-á “Batlle” (e o segundo "Batlle of Love"). Serão lançados pela produtora do cantor, Bloody Chamber Music, e estão envoltos numa pequena novidade: serão financiados pelo próprio consumidor. Isso mesmo, Wolf associou-se ao site Bandstocks que tem como objectivo encorajar os fãs a doarem dinheiro para que os músicos de que gostam continuem a produzir, tendo ainda algumas vantagens por acréscimo (vale a pena visitar o site para mais informações). De salientar ainda que Patrick Wolf fez uma pequena mistura intitulada “Battlemegamix” que colocou no seu Myspace. Pelo que mostra consegue aguçar ainda mais a curiosidade em redor de “Batlle”.
Sobre tudo isto, eis o que Wolf diz:

Balanço 2008, 1ª parte (Música)

2009-01-04T21:17:00.009Z

2008 foi um ano bastante irregular no que toca a actualizações no Cinema Meu Amor, fazendo um paralelismo um tanto ao quanto conveniente para avançar com o que pretendo abordar neste post, também a qualidade dos objectos, tanto cinematográficos como discográficos lançados este ano no nosso país. Começarei então por abordar os discos que mais me agradaram neste ano, deixando os filmes para um próximo post.
Em primeiro lugar devo referir que optei por fazer uma lista de 15 discos e não 10 (como é habitual nestes casos) somente porque me pareceu injusto não referir alguns nomes que marcaram definitivamente este ano que terminou. Devo ainda dizer que nos primeiros três lugares há um empate pelo simples facto de me ser impossível escolher entre os três discos qual o melhor. Sendo assim aqui está a lista:

1. Fleet Foxes, “Fleet Foxes”
Talvez a estreia do ano. Qualquer coisa entre a folk e a pop, sustentado por um trabalho vocal irrepreensível. “Fleet Foxes” é um cuidadoso exercício de composição, uma harmoniosa viagem pela América rural. É em certas alturas um cântico de devoção. Celebremos então os rios, as montanhas e tudo aquilo que inspira Casey Wescott e companhia a criar tão boa música.

1. Portishead, “Third”
O que fazer depois de “Dummy”? 90% apostaria pelo seguro e faria mais do mesmo, mas os Portishead não só pertencem aos restantes 10% como ainda pertence ao 1% que consegue fazer, senão melhor, pelo menos de nível equivalente. “Third” é uma experiência arrojada e estimulante. Um disco adulto e de um experimentalismo enorme, lembro-me de, nesta procura por nossos caminhos musicais, algo assim parecido chamado Kid A. Só espero não termos de esperar mais nove anos pelo próximo disco.

1. TV on the Radio, “Dear Science”
Há dois anos fizeram um disco perfeito. Era difícil em (relativamente) pouco tempo conseguir fazer algo que superasse “Return To Cookie Mountain”. Se é verdade que no todo que é “Dear Science” não o conseguiram fazer, não é menos verdade que metade das faixas deste disco são do melhor que os Tv on the Radio já fizeram, o que só por si basta para que este seja um dos melhores discos deste ano. Concluiria dizendo que estamos perante uma banda que se encontra nesse grupo restrito de músicos que já marcaram o inicio deste século.

4. Shearwater, "Rook"
Nostalgia e sabedoria na escrita, na composição e voz um comovente exercício musical. Depois de ouvir é difícil esquecer. “Rook” é não só dos melhores trabalhos dos Shearwater, como também um dos mais belos e delicados discos do ano.

5. Vampire Weekend "Vampire Weekend"
Uma colecção de temas fenomenais assinalam a estreia desta banda proveniente de Nova York. Pop com influências afro convergem na criação de contagiantes sons. Só nos resta perguntar: para quando o próximo disco? Por aqui já se desespera. As expectativas são elevadas.

6. The Last Shadow Puppets, “The Age Of The Understatement”
The Last Shadow Puppets é muito mais que uma simples colaboração. É aquilo a que se chama um corpo formado de identidade própria. Muitas são as bandas que almejam isto por toda uma carreira e não o alcançam. Ironicamente, “The Age Of The Understatement” é aquilo que os “Arctic Monkeys” e os “The Rascals” ainda não conseguiram ser.

7. Bon Iver, “For Emma, Forever Ago”
“For Emma , Forever Ago” é não só um inteligente trabalho melódico, como Justin Vernon se mostra um dotado letrista. Difícil ficar indiferente perante tão magoada e frágil voz.

8. Ruby Suns, “Sea Lion”
Difícil catalogar as músicas de “Sea Lion”. A segunda toma de Ruby Suns mostra uma maturidade fora do comum na convergência dos diversos estilos musicais que decidem usar para produzir aquele que é talvez o disco mais multicultural do ano.

9. The Walkmen, “You & Me”
Talvez a melhor pop/rock que o ano de 2008 produziu. The Walkmen conseguem com “You & Me” reencontrar o espírito de um género que, infelizmente, tem andado em mãos que o trabalham como mero acessório. Não haverá musica mais apropriada que a fabulosa “In The New Year” para entrar neste ano de 2009.

10. Santogold, “Santogold”
Um disco contagiante. A procura por uma personalidade musical que culmina, para o ouvinte, numa extraordinária experiência.

11. Department of Eagles, “In Ear Park”

12. Hercules and Love Affair, “Hercules and Love Affair”

13. Bomb The Bass, "Future Chaos"

14. Late of the Pier, " Fantasy Black Channel"

15. MGMT, “Oracular Spectacular”

Grace is Gone

2008-10-31T16:59:00.002Z

Não foi senão mais um daqueles tristes casos que constantemente têm lugar no panorama de distribuição português. “Grave is Gone” de James C. Strouse estreou nos E. U. A. no ano passado. Entretanto, o filme saiu para o mercado de DVD norte-americano este ano. Lembro que o filme é protagonizado por John Cusack, e provavelmente se as previsões que alguns meios de comunicação vinham a fazer, nas quais Cusack aparecia como possível candidato ao Oscar de melhor actor (coisa que como é conhecido não aconteceu), possivelmente o filme, não sendo por mais nada, teria visibilidade suficiente para estrear nos nossos cinemas (ou então não, existem certas coisas que escapam do meu campo de compreensão). Seja como for, penso que vale a pena descobrir esta “pequena” obra, e já que não temos possibilidade de o fazer convenientemente numa sala de cinema, não resta senão o pequeno ecrã. Já falei anteriormente de John Cusack, cuja composição despertou atenções e levantou rumores. Diria antes de mais que o trabalho de Cusack surge de uma tremenda sensibilidade na compreensão da personagem que interpreta. A sua performance é uma evocação sentido de um homem que se vê perdido ao ter que dizer às duas filhas que a mãe destas morreu em serviço militar no Iraque. A delicadeza com que vai construindo todo um percurso de descoberta interior, e a forma como evolui no decorrer do extraordinário trabalho que desenvolve com as estreantes Shélan O’Keefe e Gracie Bednarczyk são exemplos de uma tremenda honestidade e profunda entrega. O filme não só revela ser um comovente retrato humano, como também uma reflexão cuidada sobre as feridas interiores de uma América em luto. A certa altura do filme assiste-se a este diálogo entre o pai (Cusack) e a filha mais velha (O’Keefe):
“- Dad? Do you ever think that Mom should have stayed home?
- All the time.
- Why did she have to go?
- She was doing her duty, Heidi, you know that.
- I know, but what exactly does that mean?
- We've talked about this. We have people all over the world looking out for our safety. When they discover a threat, they have to act on it. That's the way the world is.
- On the news they're saying that we went to war with the wrong people, that it was all a lie.
- Well, you can't always believe everything you hear on television, can you? Sometimes you just got to trust that you're doing the right thing. We got to believe...
- Well, what if you can't?
- Then we're all lost.”

P.S. A banda sonora que tão bem acompanha estas paisagens emocionais é composta por Clint Eastwood, sendo que compõe também a belíssima música interpretada por Jamie Cullum presente no genérico final. Tanto a banda sonora como o tema (que se intitula “Grace is Gone”) foram nomeados para os Golden Globes.

“High and Low” por Nichols

2008-10-30T10:12:00.003Z

Não demonstro geralmente grande entusiasmo por remakes, mas também não escondo a curiosidade que tenho no recente projecto anunciado pela Miramax: “Tengoku to Jigoku”, em inglês “High and Low” (1963) de Akira Kurosawa foi reescrito por David Mamet (Hannibal e criador da série The Unit) adaptando assim o livro de Evan Hunter (argumentista de “The Birds”). O remake será produzido por Scott Rudin (“The Hours”, “The Village”, “Notes on a Scandal”…) e Martin Scorsese, e realizado por Mike Nichols (“Angels in America”, “Closer”, “The Graduate”…).

"Biutiful",...

2008-10-24T07:59:00.008Z

assim se chamará o novo filme de Alejandro Gonzalez Inarritu, terá Javier Bardem como protagonista. O filme que sucede Babel será rodado em Barcelona e não contará com Guillermo Arriaga, habitual colaborador de Inarritu, no argumento. Esse foi escrito pelo próprio Inarritu em parceria com Armando Bo e Nicolas Giacobone. Já a restante equipa técnica terá os suspeito do costume: Rodrigo Prieto (fotografia), Gustavo Santaolalla (banda sonora) e Stephen Mirrione (montagem).

Australia - Trailer

2008-10-23T18:49:00.005Z

Aconteça o que acontecer, estejamos perante um futuro brilhante filme ou não, um facto é incontornável, "Australia" de Baz Lurhmann irá ser um dos filmes mais falados nos próximos tempos. Digo-o não só devido à dupla de protagonista que apresenta (Nikole Kidman e Hugh Jackman) mas também por este ser a primeira realização de Lurhmann em sete anos, relembro que em 2001 o realizador australiano realizou o musical Moulin Rouge (também este com Kidman). Vem tudo isto a propósito do recente lançamento do secundo trailer oficial do filme. A sua estreia está agendada para dia 25 de Dezembro em Portugal.

Damages

2008-10-22T22:29:00.011Z

Não poucas vezes me espanta o excesso de mediatismo que certos produtos de ficção televisiva têm. Outras vezes e não com menor espanto sou alertado para o oposto. Por outras palavras, e já exemplificando o que quero dizer, acho surpreendente que perante um objecto como Damages pouco ou nada se houve falar, sendo tudo isto mais surpreendente pelo simples facto de entre o (fabuloso) elenco que compõe a série estar nem mais nem menos que Glen Close, presença assídua no grande ecrã. Mas deixando de parte todo este "mistério" e centrando a questão no que de mais importante há aqui para analisar, a pergunta impõe-se: porquê Damages agora? Em primeiro lugar porque se trata de uma série na sua primeiríssima temporada, em segundo lugar e mais relevante que isso porque esta estreia é uma das mais aliciantes e bem conseguidas do ano televisivo. Quando o seu nome aparece na lista de nomeações para prémios como os Emmys ou os Golden Globes na categoria de melhor série dramática não posso negar que (e com a excepção de comédia) se outro género houvesse nas nomeações (thriller, terror, etc) em nenhum dos outros a consideraria aceitar. Damages é puro drama. Certamente que joga com os tempos e espaços que normalmente às ficções de suspense são atribuídos, mas tudo isso serve apenas para acentuar o carácter dramático do que na trama se conta. E posso assegurar que estamos perante um inteligente, criativo e adulto universo. Desde o perfeito timing das cenas ao desenvolvimento tridimensional das personagens, é prova do carácter profundamente maduro desta serie.

Pensada e construída como um todo que pretende diluir as suas partes num puzzle que possui tanto de surpreendente como de meticuloso, vamos de episódio a episódio seguindo uma complexa e desconcertante teia de acontecimentos que vão desvendando lentamente, através dos constantes flashforwards, o futuro conclusivo dos mesmos, sem nunca, muito pelo contrário, perder a subtileza do suspense, que como referi tão bem cria. Toda a acção que Damages circunscreve é alicerçada por uma noção muito clara da complexidade das personagens criadas, ou seja, nem por instantes será possível identificar uma dualidade redutora deste seres. Aqui não esta em causa a descoberta do bom e do mau, muito para além disso é importante perceber as motivações, os objectivos e a natureza de cada um, bem como a dinâmica existente em cada relação, e é precisamente neste aspecto dos relacionamentos que as nossas atenções são direccionadas. Elementos como a manipulação, o poder e a confiança são trabalhados na mais pura dinâmica entre aquilo que se vislumbra e o que está camuflado.

Claro está que falar de Damages sem referir o magnífico trabalho de Glen Close seria impossível. Arrojada seria adjectivo insignificante, Close é a alma da série sem no entanto ser presença abusiva em campo. A personagem que representa consegue esse efeito deslumbrante de se manter um desafio constante para o espectador, um enigma e ao mesmo tempo uma obsessão, e grande parte do mérito disto vai para a actriz. Outra presença que pode passar despercebida mas que me parece constituir uma das melhores composições da série é a do actor Zeljko Ivanek, num poderoso retrato de um sucedido e meticuloso advogado em declínio emocional. Mas falar de Damages é falar primeiramente de uma noção sem qualquer tipo de ingenuidades dos espaços ocupados por essa ideia, por vezes tão concreta e outras vezes tão abstracta, que dá pelo nome de justiça. Mais ainda, os modos como ela é percepcionada e até mesmo vivenciada. Aqui, essa noção de justiça é sempre um organismo vivo, pronto a desafiar os códigos mais rígidos do instituído e subverter as normas da moral.

Ainda sobre Burn After Reading...

2008-10-21T22:30:00.003Z

Penso que no post anterior não sublinhei muito bem um dos aspectos mais sublimes desta obra: que bom é ver tamanha concentração de talentos. Clooney é já um habitue nos filmes dos irmãos Coen, e como tem sido regra, os dois conseguem retirar do actor extraordinárias performances. Brad Pitt, muito para além da necessidade de qualquer demonstração de talento (não precisa de o fazer, já as deu anteriormente) constrói uma personagem que não só é por base um saboroso exercício de comédia, como também se apresenta como um sublime processo no que ao seu desenvolvimento ao longo da narrativa diz respeito. Não menos importantes são as performances de Frances McDormand, John Malkovich e Tilda Swinton. Menos mediáticos estes três actores, mas nem por sombras menos relevantes. A camaleónica qualidade de McDormand, junta-se ao perfeccionismo interpretativo de Swinton e Malkovich formando com os já referidos Clooney e Pitt um dos melhores elencos do ano. Prova do quão entusiasmante é a pluralidade.

Burn After Reading

2008-10-21T04:51:00.004Z

Como ver Burn After Reading na filmografia dos irmãos Coen? Diria que é precisamente no registo que aqui apresentam que melhor se conseguem recriar. Mais ainda, como encarar esta obra sendo que sucede ao oscarizado No Country For Old Men? Das diferenças entre os dois filmes nem vale a pena falar, são tão notórias que se tornam paradoxalmente irrelevantes para compreender aquele que agora analiso. Não que esteja a desvalorizar um em detrimento do outro, mesmo assumindo desde já a minha preferência por Burn After Reading não me parece justo desprezar as qualidades de No Country For Old Men. Resta contudo sublinhar a coragem dos irmãos Coen pelo risco que assumiram ao apostarem neste muito particular universo burlesco, onde a desordem reina e o encanto da surpresa que dessa desordem advém em circunstância alguma é o resultado do mais puro facilitismo criativa, mas pelo contrário é a certeza de que cada universo ficcional deve ser logo à partida único, novo, deve formar os seus próprios códigos. Se de outro modo fosse, estaríamos condenados a ver constantemente o mesmo filme. É nesta singularidade que assenta o princípio chave desta obra, e é talvez através do elenco que melhor a compreendemos. Desde o hilariante Chad Feldheimer (Brad Pitt) até ao paranóico Harry Pfarrer (George Clooney), passando pela não menos pitoresca Linda Litzke (Frances McDormand), tudo aqui converge em redor da mais pura reflexão, traduzida em sátira, da sociedade, principalmente no que às relações entre seres humanos diz respeito.

40 anos 30 imagens

2008-10-10T04:50:00.013Z

Por falar em sessões fotográficas, a revista “The New Yorker” celebrou os seus 40 anos de existência. Para tal efeito convidou actores nova-iorquinos a serem fotografados pela objectiva de Dan Winters. O resultado mostrou-se ser um surpreendente portfolio com um total de 30 fotografias. Aqui podemos ver os mais variados actores (Meryl Streep, Robert de Niro, Christopher Walken, Glenn Close…) retratados como corpos que se pertencem, que pertencem a algo concreto, num jogo constante entre a imagem pública e privada.

O realismo, diria antes, a nudez daquelas peles torna-se ainda mais sedutora e evidente pela quase denúncia do que nelas foi ou não adicionado. Já não se trata de captar a imagem da realidade, mas sim de observar e reflectir a realidade da própria imagem.

Três regressos em 2009

2008-10-09T21:16:00.015Z

Já no inicio do próximo ano saíra aquele que será o oitavo disco de originais de Andrew Bird. Dá pelo nome de Noble Beast e irá ter como single a música “Oh No”.

Também para o próximo ano está agendado o lançamento do novo disco dos Animal Collective. Terá por título Merriweather Post Pavilion e conta com um alinhamento de 11 músicas.

Ainda no campo de futuros regressos encontra-se Patrick Wolf. Pouco se sabe sobre o disco duplo que o cantor inglês anunciou. Terá lançamento no próximo ano e não se sabe se os dois discos serão lançados em conjunto ou separadamente. Pelas palavras de Wolf o novo trabalho será qualquer coisa como: “ Think Smashing Pumpkins, Kate Bush. I'm going double, double, trouble. That's why I'm taking so long. One disc is heartbroken and in deep despair. One is in deep dark joy dedicated to my new love, my old and forever love, William The Conqueror." Acrescentando ainda "The album has been in my blood for a year and much more. The label think it will be a disaster, I'm sure, as it comes more from the bottom of my heart even than 'Lycanthropy', about my father's cancer, my solitude, my true love, my Irish roots, everything that has touched me to the core in the last year."Muito anseio eu pelo ano que se aproxima.

Já agora, vale a pena dar uma vista de olhos (aqui) pela sessão fotográfica que Mario Testino fez para a marca Burberry onde fotografa entre outros o próprio Patrick Wolf.

Savage Grace

2008-10-09T16:58:00.003Z

Se outra qualidade não quisermos ver em Savage Grace, no mínimo é preciso reconhecer a sua coragem na abordagem narrativa, por outra palavras, na forma como expõe a história. De um experimentalismo notável e ao mesmo tempo de uma noção muito precisa de ritmo, ou seja, em momento algum trai aquilo que no limite cria, e claro está, impossível ficar indiferente à extraordinária composição de Julianne Moore. Infelizmente, devido à dimensão mediática do filme, tal performance pode (eventualmente) passar despercebida. Em todo o caso é certamente uma das melhores do ano.

Fake Plastic Trees

2008-10-09T04:41:00.001Z

Her green plastic watering can
For her fake Chinese rubber plant
In the fake plastic earth.
That she bought from a rubber man
In a town full of rubber plans
To get rid of itself.
It wears her out, it wears her out
It wears her out, it wears her out.

She lives with a broken man
A cracked polystyrene man
Who just crumbles and burns.
He used to do surgery
For girls in the eighties
But gravity always wins.
And it wears him out, it wears him out.
It wears him out, it wears him out.

She looks like the real thing
She tastes like the real thing
My fake plastic love.
But I can't help the feeling
I could blow through the ceiling
If I just turn and run.
And it wears me out, it wears me out.
It wears me out, it wears me out.

And if I could be who you wanted
If I could be who you wanted
All the time, all the time.

Assim era a letra do primeiro single lançado nos E.U.A. pelos Radiohead do seu segundo disco, The Bends. "Fake Plastic Trees" fora gravada pouco tempo depois dos elementos da banda terem visto um concerto ao vivo de Jeff Buckley. Daí o tom melancólico (?). Diz-se que Tom Yorke gravou em apenas dois "takes" a parte vocal, tendo chorado logo de seguida. Pormenores à parte é certamente uma das músicas mais comoventes da banda (o que já não é dizer pouco). Aqui fica o teledisco do tema realizado por Jake Scott que já trabalhou, entre outros, com os The Smashing Pumpkins, Tori Amos, The Strokes, e R.E.M.

Cinema de ontem, de hoje, de sempre (4)

2008-10-08T17:33:00.003Z

Em 1982 Ridley Scott realiza Blade Runner.É hoje visto como um marco tanto do género a que pertence (ficção científica) como da carreira do realizador. Do filme recordo especialmente uma frase dita numa das cenas finais do filme por Rutger Hauer a interpretar a personagem de Roy Batty:

“I've seen things you people wouldn't believe. Attack ships on fire off the shoulder of Orion. I watched C-beams glitter in the dark near the Tannhauser gate. All those moments will be lost in time... like tears in rain... Time to die.”

Antony X 3

2008-10-08T16:13:00.003Z

“The Crying Light” será o terceiro disco de originais dos Antony and the Johnsons. Sairá apenas em Janeiro de 2009, mas para já podemos escutar o EP composto por cinco temas que o antecede. “Another World”, single que dá o nome ao EP, já tem teledisco...

Desde “I Am A Bird” passaram três anos, tempo suficiente para se esperar com grande ansiedade um novo trabalho de originais, contudo Antony Hegarty não parou no entretanto. Dele ouvimos falar este ano pela sua parceria com os Hercules and Love Affair no seu disco de estreia. Escusado será mostrar o resultado da dita parceria, já que “Blind”, primeiro single de Hercules and love affair usufruiu de grande exposição nas rádios e televisões. Em contrapartida, vale a pena dar conta de um outro trabalho de Antony. The Great White Ocean é o nome do tema composto pelo músico para a nova colecção de Inverno da marca Prada. Eis então o delicioso resultado:

Por fim, resta ainda lembrar algo que aqui foi anunciado o ano passado aquando do lançamento de Volta, disco de Bjork que teve, entre outros, como convidado Antony. Não por acaso relembro agora essa que é talvez a melhor música do disco: The Dull Flame of Desire. Tema que reúne os dois músicos em torno de uma letra que na verdade é a tradução inglesa de um poema de Fyodor Tyutchev, já anteriormente utilizado por Andrei Tarkovsky no filme Stalker, e que sucede a Wanderlust como novo single de Volta. O teledisco que acompanha o tema é no mínimo hipnótico. Contido e intimista, é por assim dizer um tríptico. Produzido em condições no mínimo invulgares, esta é a realização conjunta entre três pessoas que na verdade não se conheciam: Christoph Jantos da Alemanhã, Masahiro Mogari do Japão e Marçal Juncà da Espanha. Todos eles concorreram a um desafio lançado por Bjork com o objectivo de encontrar a melhor ideia para um teledisco. Face ao resultado final, apetece dizer que testemunha-mos o nascimento de um novo ser…

Before the Devil Knows You`re Dead

2008-10-01T16:40:00.007Z

Sidney Lumet, um cineasta que se divide entre o cinema e a televisão, traz-nos aquele que é sem dúvida o seu melhor filme estreado neste novo século, e um dos melhores deste ano. Before the Devil Knows You`re Dead assenta num rigoroso classicismo dramático, cuja narrativa é uma espécie de teia sólida que nem por momentos desaba pelo caos que se instala no interior de cada ser que habita o filme. Essas mesmas personagens encontram-se permanentemente no limite, prontos a ruírem a qualquer momento. Não estivéssemos nós a falar de um filme cuja premissa diz tratar-se da história de dois filhos cujo desespero económico leva a assaltar a joalharia dos próprios pais. Mas mais que um filme sobre o poder perverso do dinheiro, esta é uma obra que reflecte a delicadeza das relações humanas. Lumet dirige todas estas convulsões com sabedoria, trabalhando os seus actores de forma, como já é habitual, soberba.

Bluebells ao Vivo

2008-09-30T00:37:00.003Z

Foi o seu terceiro disco de originais e muito provavelmente um dos melhores do ano passado. The Magic Positions veio confirmar o talento imenso de Patrick Wolf enquanto compositor e intérprete. A sua Pop é fulgurante, um rasgo de energia contagiante, possuidora de uma noção muito apurada das camadas necessárias para construir um todo. Exemplo disso mesmo é este Bluebells, tema maior de um disco que demonstra mais uma vez porque é Patrick Wolf considerado uma das maiores promessas (se já não confirmação) da música Pop contemporânea. Este vídeo é uma actuação ao vivo do tema referido. Um novo arranjo, agora mais contido, mas não por isso menos brilhante.

Cinema de ontem, de hoje, de sempre (3)

2008-09-29T23:58:00.006Z

Para quem ainda não viu este clássico de 1977 realizado por Steven Spielberg, aconselho a não ver este pequeno excerto que aqui coloco. É nem mais nem menos a cena final de um filme que acima de tudo consegue uma proeza rara nos dias que correm, e que em si mesmo constitui um dos princípios base de qualquer objecto fílmico: Faz-nos acreditar nas imagens que vemos, independentemente da "irrealidade" aparente das coisas que mostra. Lembro que era este mesmo um dos aspectos fulcrais de um filme bem mais recente intitulado "Lady in the Water". Eis então a magia de Close Encounters of the Third Kind…

Doubt - Trailer

2008-09-18T19:49:00.011Z

18 anos depois, John Patrick Shanley, vencedor do Óscar pelo argumento de Moonstruck em 1987, volta a realizar. É somente o seu segundo filme, contudo as expectativas em redor de Doubt são elevadas, não estivéssemos nós perante um filme que reúne dois dos melhores actores da actualidade - Meryl Streep e Philip Seymour Hoffman. Mas não se fica por aqui, já que esta é a adaptação da peça de teatro, também ela escrita por Shanley, onde se narra a história de uma freira (Meryl Streep) que suspeita de abusos cometidas contra uma criança por parte de um padre (Philip Seymour Hoffman). Esta confronta-o, iniciando-se então uma demanda não só narrativa como de reflexão sobre religião, autoridade e moralidade. O filme possui também inúmeros valores na ficha técnica, como é o caso de Roger Deakins, director de fotografia e 7 vezes nomeado para os Oscares, Dylan Tichenor, montador que possui no currículo filmes como Boogie Nights, Magnolia, Brokeback Mountain e There Will Be Blood (pelo qual recebeu uma nomeação para os Oscares este ano), ou ainda Ann Roth, responsável pelo guarda-roupa e vencedora do Oscar pelo filme The English Patient. Aqui fica o trailer.

La Soledad

2008-09-18T19:49:00.009Z

Da Espanha chega-nos aquele que é porventura um dos filmes mais marcantes deste ano cinematográfico. Vencedor de três prémios Goya, incluindo o de melhor filme do ano, esta película realizada por Jaime Rosales é não só um novo passo na exploração de diferentes caminhos estético, sobretudo porque essa proposta tem como fundamento o corpo dramático que permite explorar, como também um poderoso retrato de um quotidiano marcadamente ferido. De um rigor melodramático impressionante e uma visão de espaço não menos rigorosa, aqui se relata, diria quase por acidente (sendo que nada disto é por simples acaso), os atentados em Madrid, mas sobretudo as repercussões directas, indirectas e porque não metafóricas que um determinado acontecimento tem na vida das coisas. Para ver, rever e por momentos contemplar com a devida empatia planos como estes:

Uma última nota para o extraordinário elenco liderado por Sonia Almarcha… tão bom que é poder testemunhar a arte de entrar num corpo que não o próprio e fazer alguém crer que esse outro corpo existe, nem que por apenas duas horas.

True Blood - Em exibição numa HBO perto de si...

2008-09-18T19:49:00.002Z

Já se encontra em exibição nos E.U.A. a nova série da HBO de seu nome True Blood. Criada por Alan Ball (o mesmo de Six Feet Under) e já aqui referida, este novo projecto televisivo conta com Anna Paquin no principal papel e pelo que dizem, muito sangue pelo meio. Eles (vampiros) são exactamente como nós (humanos), excepção feito ao facto de possuírem dentes caninos ligeiramente maiores e afiados e se alimentarem de sangue. O restante poderá ser visto neste pequeno trailer de apresentação/promoção.

Já agora, este é o genérico da série…

Por fim, resta esperar que alguma televisão portuguesa a exiba (decentemente, claro está) esta série e que, contrariando o que me parece, se confirme mais uma vez o talento de Alan Ball.

Ainda sobre TVOTR...

2008-09-18T03:57:00.008Z

Somente para dar conta do terceiro disco dos Tv On The Radio. Dá pelo nome de Dear Science e será lançado já no próximo dia 22 no Reino Unido. No site oficial da banda já se pode ouvir dois dos onze temas presentes no disco. Por aqui espera-se com enormes expectativas este novo trabalho. Para já ficamos com este extraordinário primeiro single. Eis o teledisco de "Golden Age".

Province - Teledisco

2008-09-18T02:14:00.007Z

O segundo single do disco Return To Cookie Mountain dos Tv On The Radio fora Province. Tema esse um dos melhores de um disco absolutamente memorável. Ali se cantava:

"Hold your heart courageously
As we walk into this dark place
Stand steadfast erect and see
That love is the province of the brave"

Era ainda uma réstia de esperança ("...and see/That love is the province of the brave") num disco, e porque não, numa banda, com uma visão marcadamente negativa do mundo que os/nos envolve.
Como se esta belíssima música não bastasse, fomos ainda brindados com este fabuloso teledisco realizado por Jeff Scheven, a ilustrar na perfeição aquilo que nos é dado a ouvir...

Changeling - Trailer

2008-09-18T01:25:00.007Z

Uma mãe alega que a criança encontrada e a si entregue não é o seu filho meses antes desaparecido. As autoridades policiais afirmam o contrário. Resumidamente é esta a premissa do mais recente filme de Clint Eastwood. Com Angelina Jolie e John Malkovich nos principais papeis, Changeling foi presença no último festival de Cannes. Estreia a 31 de Outubro nos E.U.A.

Nota ainda (pelo que se pode depreender pelo trailer) para o trabalho da direcção fotográfica (assinada pelo já habitual Tom Stern) e direcção artística (o mesmo de Memoirs of a Geisha, Patrick M. Sullivan Jr).

Das Leben Der Anderen

2008-09-16T17:25:00.003Z

Bucólica paisagem esta onde se cria uma espécie de visão profunda e dilacerada das feridas que se recordam de uma Alemanha então dividida. Mais importante que isso, comovedora representação dos conflitos que moram em cada ser e da forma como somos moldados pelo meio, mas principalmente por quem partilha esse meia connosco. Aqui se escutam ecos de uma pureza classicista na arte de por em cena, na forma de organizar os espaços e tempos da acção, bem como no trabalho com os actores. Ulrich Muhe é simplesmente assombroso. Raramente se vê um protagonista falar tão pouco e dizer tanto. Das Leben Der Anderen assenta numa verdade muito cristalina, a saber, lembra-nos que em última instância apenas uma coisa nos faz mover: a vida dos outros.

Milk - Trailer

2008-09-10T17:02:00.005Z

Aqui deixo o trailer de Milk, o novo filme de Gus Van Sant. Estreia a 5 de Dezembro nos E.U.A. e conta no elenco com Sean Penn que interpreta o papel de Harvey Milk, o primeiro homossexual assumido a ser eleito para um cargo público, tendo sido também um importante activista das causas LGBT. O filme conta ainda com a presença de Josh Brolin, Emile Hirsch e Diego Luna.

The Mist

2008-09-10T11:25:00.007Z

Frank Darabont não esconde a sua paixão por Stephen King. The Mist é a quarta adaptação feita por Darabont de uma obra de King. Sendo que a segunda foi nem mais nem menos que o fabuloso The Shawshank Redemption. Depois seguiu-se The Green Mile, pelo qual recebe a segunda nomeação para o Oscar de Melhor Argumento Adaptado. Não por acaso as expectativas eram elevadas em relação a este seu novo filme. Infelizmente, e mesmo querendo acreditar profundamente que nada mais foi que a frustração de tão elevadas expectativas, não consigo. E isto deve-se a um facto incontornável: não acredito em The Mist. Vejo claramente os objectivos de Darabont, mas não consigo descortinar o porquê da maioria da encenação feita. Sobretudo não acredito nos seres retratados, isto porque me parecem esgotar-se na função simbólica, ou seja, existe muito pouco corpo, veja-se o exemplo da personagem interpretada por Marcia Gay Harden. Quem é ela? É muito concretamente o "fanatismo religioso", tão somente isso. Ou então note-se o desprezo pelas personagens secundárias, não passam de gélidas estátuas, moldadas consoante a ocasião, não se pertencem. Mesmo as relações entre personagens estão a meu ver mal exploradas, talvez por isso as mortes vão-se sucedendo e pouco impacto emocional despertam. E sim, a tão falada ultima cena, poderá ser vista como o expoente máximo de todo o filme, é contudo a meu ver prejudicada pelo que lhe antecede. Tudo isto é pena, pois as ideias estão lá, falta coração.

kramer vs kramer

2008-09-06T03:03:00.003Z

Afinal não somos a presa ou o caçador, o anjo ou a besta, somos em conclusão esses dois opostos, sem no entanto sermos nenhum, ou então, somos apenas a linha intermédia que os separa (ou une).

Quem nos diz isto e muito mais é Benton que alcança aquilo que tanta falta tem feito á grande parte do cinema proveniente de Hollywood nos últimos tempos, ou se não quisermos ir tão longe, à maioria da ficção pelas nossas televisões produzida: dota as suas personagens de uma, ou melhor, de dimensões que contrariam esse facilitismo maniqueísta de ver e consequentemente representar os seres. Aqui existe a coragem da sobriedade, a libertação dos modelos mais comuns de Show off, e a aposta na subtileza das paisagens emocionais. Tudo o resto são “apenas” actores a representar. Eu não peço mais.

Tropa de Elite

2008-08-24T02:37:00.006+01:00

Não raras vezes este mesmo erro é cometido. Passo a enunciar: muito já se tem escrito sobre o mais receite Urso de Ouro, Tropa de Elite, a respeito da sua suposta colagem aos “cânones” do cinema documental. Este erro, o de catalogar um filme como pertencendo ao campo do documentário, provem geralmente de dois aspectos: o primeiro (mais superficial) relacionado com a fotografia que o filme apresenta, o segundo com as linhas e opções narrativas que o filme toma (aqui muito marcantes pela utilização da voz-off e de uma ideia de retracto, digamos assim, directo). Em Tropa de Elite, nenhum destes aspectos poderá ser factor de tal catalogação. O documentário está muito para além de qualquer identificação de factos transportados da realidade para a sua representação (neste caso cinematográfica). Estamos, como é sabido, perante uma adaptação literária, nada mais que isso. Aqui mora a mais pura ficção, e não se entenda esta expressão como pejorativa, muito pelo contrário, estamos perante esse saber que é o de expor uma história. Não podemos cair na infantil concepção de que aquilo que se filma, caso seja uma obra documental terá só por isso maior importância ou fidedignidade face à ficção. Esta errada concepção tem como base umas das piores influências provocadas pelo mais simplório jornalismo televisivo. Não tenhamos ilusões, em último plano, tudo isto é ficção.

Em relação ao todo que é Tropa de Elite, podemos desde já identificar algo que parece escapar aos mais alarmistas face a esta obra: Não existe verdades intocáveis, nem tão pouco, e acredito em absoluto no poder de discernimento de Padilha, nada é tão simples e claro como “aqueles são os bons, e estes são os maus”. Estou quase certo de que existe o distanciamento necessário para saber identificar um facto muito simples: Isto não é mais que a visão (e o universo) de um homem/personagem que dá pelo nome de Nascimento. Finalmente, e quanto aos restantes aspectos deste filme, não me parecem, infelizmente, totalmente limados. Faltou sobretudo uma melhor exploração dos universos individuais das personagens. Em todo o caso, fica a certeza de que assistimos a uma obra que possui mais que uma simples aglomeração de cenas concebidas com o intuito do mais básico espectáculo visual.

Wall.E

2008-08-23T00:28:00.004+01:00

Sem dúvida um excelente ano para a animação. Primeiro com a eficácia e a boa disposição de Kung Fu Panda, onde se narrava a história de um peculiar Panda apaixonado por Kung Fu. E agora, sendo por si só suficiente para justificar o que comecei por dizer, Wall.E. Este novo filme da Pixar devolve como poucos o encanto e, porque não, a magia, tão frequentemente relacionados aos já clássicos filmes da Disney. Estamos perante um filme que não se esgota, muito pelo contrário, na oferta e exploração das mais recentes formas de animação digital. Ao descobrirmos este filme, descobrimos sobretudo a capacidade de narrar, de saber dar, sendo que neste caso existe realmente algo de significativo a oferecer. Em primeiro lugar porque esta fábula consegue subtilmente unir os dois territórios que pisa, a saber: o da ficção (com todas as implicações que possa conter) e o da acção social que eminentemente pode (e consegue) exercer. Em segundo, porque o trabalho que desenvolve tem como principio fundador a certeza de que somente ao desenvolver a sua base teórica (o argumento) consegue concretizar e ser o que no limite pretende: uma reflexão cuidada sobre o mundo contemporâneo que habita. Em última instância, Wall.E é um dos filmes mais comoventes e verdadeiros estreados neste ano cinematográfico.

Relief

2008-08-23T00:21:00.003+01:00

Relief é o primeiro single extraído do disco "Music For Tourists" (também ele o primeiro) de Chris Garneau. São pouco mais de quatro minutos de pura delícia auditiva. No disco, infelizmente não há par para este Relief, porém ficamos com um pequeno vislumbre daquilo que podemos esperar no futuro. Entretanto somos embalados pela bela e contida voz de Garneau num momente de verdadeira melancolia. O teledisco que acompanha a música é o retrato perfeitode tão comevedor universo.

Cinema de ontem, de hoje, de sempre (2)

2008-08-05T21:05:00.002+01:00

Assim retomo a série de posts dedicados a pequenos extractos da 7ª arte. Neste segundo post lembro, porque nunca é demais recordar, a ultima cena do filme Sunset Blvd. de Billy Wilder. A protagonista é Gloria Swanson, e apetece dizer, pronta para o seu "Close-up".

Klaxons por Clã

2008-07-20T20:49:00.004+01:00

Aceitaram o desafio da Antena 3 e gravaram uma cover. O original como é sabido pertence aos ingleses Klaxons, a música é Golden Skans. Manuela Azevedo disse a seu respeito, tratar-se de uma música bastante "electro, disco, feeling". Então decidiram aborda-la de um prisma diferente, fazendo aquilo a que chamaram uma versão para "salão de baile decadente". O resultado está aqui, e que resultado!

El Orfanato

2008-07-07T03:32:00.006+01:00

Um dos filmes mais falados aquando da edição do Fantasporto deste ano, dá pelo nome de El Orfanato. Vencedor de 7 prémios Goya, foi sem dúvida um dos grandes filmes espanhóis do ano. Bem mais elaborado do que Rec (outro filme espanhol e o vencedor do Fantas), El Orfanato possui uma noção de mise en scene e conhecimento do género que invoca, muito superior ao que normalmente é visto neste tipo de filmes. Não que aqui se anuncie uma total revolução, aliás, muitas são as referências que se podem lembrar. Não entremos em precipitadas euforias, não estamos, no meu entender, perante um qualquer objecto excepcional, uma obra de referência. O que aqui simplesmente se faz, e muito bem, é lembrar que antes do susto (ou para que ele tenha algum fundamento) existe, sobretudo, personagens a explorar. Juan Antonio Bayona vai ao fundo dos seres que nos apresenta, principalmente de Laura, para daí criar os ambientes e tensões que tão bem trabalhados se encontram, o que a meu entender não poderia ser de outra forma. E é sobretudo através de Laura que o filme vive. É através da desconcertante e magnifica interpretação de Belén Rueda que este universo se eleva. Um universo marcado, não pelo sangue e malabarismos visuais, mas antes por uma grande sensibilidade na criação do enredo e na exploração dos momentos, pautados por uma aura tão arrepiante como mágica. Não será afinal isto que se espera de um filme deste género?!
De realçar ainda, e como apontamento final, a curta mas extraordinária presença de Geraldine Chaplin num assombroso momento de contenção e, talvez por isso, de suspense.

Funny Games

2008-07-06T21:08:00.004+01:00

Perverso jogo este que Michael Haneke nos dá a conhecer. Dá-nos, claro está, pela segunda vez. Isto porque já em 1997 tinha filmado este mesmo filme. O que muda? Muito pouco. Mudam os actores (agora, Naomi Watts, Tim Roth, Michael Pitt e Brady Corbet) e a língua (inglesa). O objectivo? Simples: mostrar esta obra a um maior número de pessoas. O que com certeza não é simples é a violência (palavra chave nesta obra, também evidente em Caché) que aqui nos é mostrada. Simples, melhor, redutoramente simples, é a violência que Haneke critica. E é ao espectador dessa violência que Haneke quer chegar. Completamente desprovido de subtilezas, Funny Games apresenta-se muito provavelmente da forma mais directa e crua possível: Não por acaso, a desumanização aqui assume um papel importantíssimo. Eles (os agressores) não têm passado, presente ou futuro. No limite serão o passado-presente-futuro do espectador, ou melhor, a representação/projecção dessa espécie de fantasia perversa, tão frequentemente negada. Porém não se trata apenas de constatar a existência dessa violência, trata-se sim de reflectir o modo como ela é reproduzida e por consequência consumida. Digamos que exemplo disso mesmo está patente a determinada altura no diálogo entre duas personagens de forma bastante irónica:
- "Why don't you just kill us?"
-"You shouldn't forget the importance of entertainment.".

3 Funny Games

2008-07-03T21:28:00.011+01:00

E porque falei de publicidade, porque não dar conta deste tríptico que anuncia o filme Fanny Games de Michael Haneke que esta semana estreia em Portugal. Fantástico trabalho de subtileza e gestão de conteúdos.

The Curious Case of Benjamin Button (Trailer)

2008-07-02T18:47:00.004+01:00

Existe qualquer coisa de encantatório neste objecto. Muito provavelmente vinda da certeza de que ao se publicitar seja o que for, neste caso um filme, já se está a propor ao espectador que em si mesmo encontre os instrumentos necessários para compreender o que de seguida irá consumir. Não tenhamos essa ingénua ideia de que tudo o que vemos é um mero acaso, fruto de uma qualquer rotina do sistema. Essa rotina (simplória, e muito comum) existe, é um facto. Não é (felizmente) em todo o caso omnipresente. Existe mais, existe, por exemplo, este magnífico trailer. O filme é realizado por David Fincher (Zodiac, Se7en, Fight Club…) e conta no elenco com as presenças de Brad Pitt, Cate Blanchett, Tilda Swinton, entre outros. Estreia a 19 de Dezembro nos E.U.A.

Temporada De Patos

2007-09-28T23:43:00.000Z

Diria que já não se filmam crianças, filmando-as constantemente. Ou melhor, filma-se acima de tudo o desejo de atingir uma maturidade ficcional, só possível através da certeza de que antes de se filmar (neste caso especifico) uma idade, filmam-se seres. Seres que não só não obedecem a formulas infantilmente concebidas por consequência de uma visão redutora e preconceituosa sobre determinadas realidades, como recusam quaisquer facilitismos dramáticos. Porque é importante referir que não estamos perante universos que se nos desvendam consoante a sua aparência mais imediata. E no entanto, estamos bem longe de uma qualquer camuflagem dos factos. Eles (factos) são bastantes claros: pelas mais variadas casualidades, quatro personagens vêem-se delimitadas por um mesmo espaço físico (um apartamento) e, as horas que partilharão juntos nesse mesmo espaço ficarão imaculadamente gravadas no âmago do complexo e constante acto de crescimento. E se esse mesmo crescimento é antes de mais concebido e vivido no interior de cada uma dessas personagens, jamais o poderemos ver como acto isolado. Muito provavelmente será nesse conceito de comunhão que reside a verdade mais pura e comovente desta obra.

Michelangelo Antonioni

2007-07-31T13:24:00.000Z

(1912-2007)

Alan Ball em dose dupla

2007-07-30T18:47:00.000Z

Parece que Alan Ball (Six Feet Under, argumento de American Beauty) vai voltar em breve com dois novos projectos. Um deles, intitulado Nothing Is Private (estreia nos E.U.A. a 25 de Janeiro de 2008), é um filme escrito e realizado pelo próprio Ball, e baseado no livro "Towelhead", da escritora Alicia Erian. No elenco encontram-se nomes como Aaron Eckhart, Toni Collette e Maria Bello. O outro projecto tem como nome “True Blood”, uma nova série (estreará nas televisões americanas ainda este ano) e ao que parece centra-se na personagem interpretada por Anna Paquin, personagem essa com uma capacidade especial: lê a mente das pessoas. A bizarria não se fica por aqui, já que vampiros entram ao barulho. Pessoalmente esta pequena sinopse não me convence de todo, mas não posso deixar de estar expectante, já que esta série vem com duas excelentes “cartas” de recomendação: a do próprio Alan Ball e a da cadeia televisiva HBO, que tantas coisas boas já nos trouxe (Six Feet Under, The Sopranos, Angels In America…).

Weeds

2007-07-30T15:31:00.001Z

Hoje, a não perder, o terceiro episódio de "Weeds" ("Erva" na tradução portuguesa). Protagonizada pela já aqui referida Mary-Louis Parker, é sem duvido uma das propostas mais apetecíveis na actual grelha televisiva generalista. Comédia negra, envolta, dizem "eles", em polémica pela sua premissa: Uma mulher de classe média, moradora num subúrbio californiano e mãe de dois filhos, após a morte do seu marido, começa a traficar marijuana para sustentar a família.
Transmitida pela RTP2 às Segundas-feiras por volta das 22:30, esta é uma proposta (poderão constatar) no mínimo viciante. Dotada de um humor corrosivo e inteligente, não por acaso vem ocupar um espaço no horário da RTP2, anteriormente preenchido por séries como "Six Feet Under" e "The Sopranos". A não perder!

Aqui deixo o magnífico genérico da série. Como irão constatar, a secunda temporada reinventa o próprio genérico, já que em cada episódio a musica de abertura "Little Boxes" é interpretado por diferentes músicos. Escolho então, a brilhante versão de Regina Spektor.

Ingmar Bergman

2007-07-30T13:23:00.000Z

(1918-2007)

Cinema de ontem, de hoje, de sempre

2007-07-29T23:55:00.001Z

Inicio com este título uma série de “Posts” que servirão para recordar fotogramas, personagens, diálogos, enfim, momentos que marcaram não só o filme em que se inserem, como também, e consequentemente, a história do cinema.
E para primeiro momento, aqui fica um apontamento de um filme/mini-série passado(a), onde se reflecte um possível futuro. Magnifico!

"Night flight to San Francisco. Chase the moon across America.
God! It's been years since I was on a plane! When we hit thirty-five thousand feet, we'll have reached the tropopause. The great belt of calm air. As close I'll ever get to the ozone.
I dreamed we were there. The plane leapt the tropopause, the safe air, and attained the outer rim, the ozone, which was ragged and torn, patches of it threadbare as old cheesecloth, and that was frightening. But I saw something that only I could see, because of my astonishing ability to see such things: Souls were rising, from the earth far below, souls of the dead, of people who had perished, from famine, from war, from the plague, and they floated up, like skydivers in reverse, limbs all akimbo, wheeling and spinning. And the souls of these departed joined hands, clasped ankles, and formed a web, a great net of souls, and the souls were three-atom oxygen molecules, of the stuff of ozone, and the outer rim absorbed them, and was repaired. Nothing's lost forever. In this world, there's a kind of painful progress. Longing for what we've left behind, and dreaming ahead. At least I think that's so."

(Palavras de Tony Kushner. Monologo proferido por Mary-Louise Parker em “Angels In América” (Mike Nichols 2003)

P.S. E como “Angels In America” está repleto de assombrosos momentos, tenho a impressão de que esta não será a única referencia por mim feita nesta série de “Posts” a tal inesquecível obra.

Bobby

2007-07-26T01:07:00.000Z

Como entendemos Bobby nos dias que correm? Isto claro, se a sua passagem discreta (surpreendentemente discreta) não nos impedir de pressentir a sua presença. Se encontrarmos nele imediatamente um certo principio sociológico, ou mesmo político, não estaremos a descurar uma das suas essências. Mas reduzi-lo a tal será precipitado, se não mesmo errado. Se é certo que o seu lançamento numa altura precisa da história dos E.U.A. não será entendida como ocasional, não é menos certo que a forma como trabalha o seu universo ficcional será eminentemente contemporâneo e mesmo universal. Não porque venha confirmar a falsa ideia actualmente em vigor, de estar "na moda" (aqui como adjectivo pejorativo, é claro) um cinema estruturalmente dividido em várias partes e múltiplas histórias, mais conhecido por "cinema mosaico". Acredito profundamente que nenhum cinema deva ser encarcerado e reduzido ao modo como escolhe expor a narrativa. Nem tão pouco ser entendido como cópia de um suposto objecto primeiro. Como qualquer arte, o cinema vive da sua história. Se um filme opta por seguir um certo modelo, não significa que o esteja a "roubar". Ou então, deveremos entender o cinema como um "roubo" constante. Algo que não é de todo mentira, porém, visto noutros enquadramentos.
Voltando a Bobby. Como dizia, não é na estrutura narrativa que assenta a sua contemporaneidade, é sim na utilização de certas ferramentas dramáticas e expositivas. É na maneira como opta por metaforizar as situações e consequentemente as cruzar. Porque não é no desfecho da acção que uma certa premissa se cumpre e nos "espanta" com a revelação(?) de uma suposta ligação existente entre as personagens. Essa ligação, não só é evidente mesmo antes de se ver o filme (através de sinopses e trailers) como logo nos primeiros minutos do filme, quando se torna claro o espaço da acção. Porém, a ligação é bem mais do que espacial, e é no desenrolar do(s) universo(s) particular(s), e sempre particular(s), que uma comunhão tem lugar. Entendê-la será sempre uma agradável descoberta. Isto, sem nunca esquecer os variados contextos (emocionais e mesmo físicos) que cada situação e personagem possui.
É também no espaço que dedica de forma brilhante a um imaginário colectivo, que poderemos retirar a verdadeira essência de Bobby. Sendo que esse imaginário bem pode agradecer às extraordinárias prestações dos vários actores: De Antony Hopkins a Harry Belafonte, de Sharon Stone (como já a algum tempo não a viamos) a William H. Macy, de Lindsay Lohan (agradável surpresa) a Elijah Wood, de Helen Hunt a Martin Sheen, de Demi Moore ao próprio Emilio Estevez.

Dito isto, e apesar disto, não hesito:Será importante o visionamento de Bobby? Sem duvida. Pelo seu carácter sócio-politico? Também, mas não só.

Bridge To Terabithia

2007-07-22T14:43:00.000Z

É sem duvida agradável constatar que um certo cinema "destinado" a uma faixa etária juvenil não se resume a um aglomerar de efeitos especiais onde habitam caricaturas estereotipadas de personagens.

"Bridge To Terabithia" vem demonstrar, em primeiro plano, que se podem construir narrativas e personagens, onde um certo universo fantástico tem vida e expressividade quando tratado como tal. Em segundo plano, que o universo infantil é bem mais complexo, diria mesmo, bem mais humano do que muitos querem fazer parecer.

Acima de tudo, "Bridge to Terabithia" assenta numa verdade cristalina. A saber: a descoberta como motor de crescimento acarreta consigo os mais complexos factos. Quer estejam eles relacionados com a conquista ou com a perda. Insistir na camuflagem destes factos, é não querer partilhar dessa magia. Qual? A do mágico mundo da descoberta. Porque, em ultima instância, será sempre ela a alavanca para o fantástico.

Finalmente...

2007-07-18T22:37:00.000Z

Setembro é a data de lançamento do quinto disco daquela que é provavelmente a melhor banda portuguesa. Isto claro, na minha humilde opinião. Sem titulo ainda anunciado, é já em Agosto o lançamento do primeiro single «Tira a Teima», que conta com a participação de Paulo Furtado (The Legendary Tiger Man). O disco é produzido por Hélder Gonçalves, masterizado por Howie Weinberg, que já trabalhou, entre outros, com Sonic Youth, Yeah Yeah Yeahs e Killers, e as letras escritas pelos habituais suspeitos (Carlos Tê, Regina Guimarães, Adolfo Luxúria Canibal e Arnaldo Antunes). As expectativas são levadas, e a tarefa de, pelo menos, igualar o magnifico "Rosa Carne" é árdua. Mas quem melhor do que os próprios Clã para cumprirem essa tarefa?!

Recomeçar

2007-07-17T20:32:00.000Z

Como foi evidente, durante algum tempo não houve qualquer Post neste blog. Desde já peço desculpa aos leitores (se existirem) pela falta de aviso. Essa ausência de "Postagem" deveu-se à falta de tempo.
Espero agora, que o tempo já não é um factor preocupante, poder actualizar o "Cinema Meu Amor" com mais frequência. Nada melhor que fazer uma retrospectiva do que foi a primeira metade do ano, no que diz respeito ao que de melhor me foi possivel ver e ouvir.
Aqui ficam duas listas (esse conceito tão abstracto e "incompleto", mas ao mesmo tempo tão prático):

Cinema:

- Flags of Our Fathers
- Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus
- Half Nelson
- In The Land Of Women
- Letters from Iwo Jima
- Little Children
- Notes On A Scandal
- Shortbus
- The Dead Girl
- The Fountain
- Zodiac

(É uma lista desprovida de elevadas exigências. Os filmes estão colocados por ordem alfabética, e apesar de achar que alguns deles poderão mesmo vir a fazer parte dos filmes do ano (Letters From Iwo Jima, Little Children, Notes On A Scandal, Zodiac), outros pareceram-me "simpáticos" (In The Land Of Women, The Dead Girl, The Fountain...))

Música:

- Arcade Fire: "Neon Bible"
- Feist: "The Remander"
- Michael Cashmore: "The Snow Abides"*
- Panda Bear "Person Pitch"
- Patrick Wolf "The Magic Position"
- Rufus Wainwright "Release The Stars"
- The Cinematic Orchestra: "Ma Fleur"
- The Shins "Wincing The Night Away"
- Tori Amos: "American Doll Posse"
- White Stripes: "Icky Thump"

(* O disco é de 2006, finais penso eu, mas visto ter sido tão esquecido, sinto-me tentado a colocá-lo nesta lista)

3-Iron, de Kim Ki-duk

2007-07-11T23:18:00.000Z

“O silêncio foi a grande conquista do filme sonoro.”
Marcel Martin

O protagonista de “3-Iron” é um jovem japonês que tem como ocupação invadir a casa de desconhecidos quando estes estão temporariamente fora. Coloca panfletos publicitários sobre as fechaduras, se estes se mantiverem, depreende que ninguém regressou a casa. Numa dessas invasões, a dona da casa, visivelmente agredida, esconde-se numa das divisões e observa as suas acções. Sem proferir uma única palavra, ela surge perante ele, deitado, a masturbar-se, admirando uma fotografia sua. Ele, surpreendido, sai mas regressa para a consolar e apoiar. O marido dela chega a casa e aborda-a violentamente. Ele defende-a e, continuando o silêncio, partem juntos.
Kim Ki-duk escreveu e realizou um argumento original, pleno de pormenores e silêncios. Um silêncio que se vive no decorrer da intriga sem questionar a ausência da palavra. Isto, porque, a imagem o preenche de forma absoluta. Dois percursos silenciosamente solitários. Reconhecem-se e compreendem-se. E aproximam-se na errância que busca o som dos seus silêncios. É quase um poema escrito sem palavras.
O som pontua a acção na ausência de diálogos. Fá-lo de forma musicada nos momentos de solidão partilhada (quando chegam a uma nova casa) e de forma concreta nos actos violentos (quando ele agride, com as bolas de golfe, o marido dela).
A fotografia de Jang Seung-beck oferece-nos enquadramentos minuciosos, cuidados. O uso da luz é subtilmente eficaz. A profundidade de campo é gerida de forma exímia, utilizando o desfoque para dar maior ênfase ao elemento-chave da acção (tomemos como exemplo o plano da co-protagonista a vestir o soutien ainda em sua casa). Ao nível da cor, predominam os tons pastel que acompanham o estado de espírito dos protagonistas, conferindo-lhes um tom melancólico.
Os protagonistas têm uma voz muda mas um olhar falante. São cúmplices numa interpretação milimétrica das emoções. Nenhum segundo a mais de comoção ou de contenção, há um tempo certo na acção-reacção. A sua fluência interpretativa torna este registo ainda mais coeso. A identificação do actor-personagem é tão verosímil que a fronteira que os separa é quase inexistente. Um filme a ver e rever.

Cannes 2007

2007-05-02T21:58:00.000Z

Há já algum tempo foram divulgados os filmes presentes na 60º edição do (talvez) maior festival de cinema em todo o mundo. Em 2007 Cannes propõem as seguintes obras em competição:

MY BLUEBERRY NIGHTS de WONG Kar Wai

AUF DER ANDEREN SEITE de Fatih AKIN

UNE VIEILLE MAÎTRESSE de Catherine BREILLAT

NO COUNTRY FOR OLD MEN de Joel & Ethan COEN

ZODIAC de David FINCHER

WE OWN THE NIGHT de James GRAY

LES CHANSONS D’AMOUR de Christophe HONORÉ

MOGARI NO MORI (The Mourning Forest) de Naomi KAWASE

BREATH de KIM Ki Duk

PROMISE ME THIS de Emir KUSTURICA

SECRET SUNSHINE de LEE Chang-dong

4 LUNI, 3 SAPTAMINI SI 2 ZILE de Cristian MUNGIU

TEHILIM de Raphaël NADJARI

STELLET LICHT de Carlos REYGADAS

PERSEPOLIS de Marjane SATRAPI e Vincent PARONNAUD

LE SCAPHANDRE ET LE PAPILLON de Julian SCHNABEL

IMPORT EXPORT de Ulrich SEIDL

ALEXANDRA de Alexander SOKOUROV

DEATH PROOF de Quentin TARANTINO

THE MAN FROM LONDON de Béla TARR

PARANOID PARK de Gus VAN SAN

TIZGNANIE de Andrey ZVYAGINTSEV

Sublinho aqui a minha curiosidade (de há muito tempo) em relação a MY BLUEBERRY NIGHTS de WONG Kar Wai, talvez o filme que mais aguardo. Porém, como não ficar espectante em relação a LES CHANSONS D’AMOUR de Christophe Honoré, BREATH de KIM Ki Duk, PARANOID PARK de Gus Van Sant, entre outros... um "cartaz" apetecivel, diga-se.

Nota ainda para a presença de João Pedro Rodrigues em Cannes. Não só irá apresentar o seu novo projecto "Morrer Como Um Homem" (que será rodado em 2008), como também levará para a semana dos realizadores a curta-metragem "China, China" co-realizada com o seu habitual director artístico João Rui Guerra da Mata. Aliás, curta-metragem recentemente presente no Indielisboa.

Para Evangelizar

2007-04-15T02:00:00.000Z

Deixo aqui um pequeno (grande) clip. Em concerto no "Elevador", os Arcade Fire oferecem uma fantástica, miraculosa e inesquecível actuação ao vivo. Deslumbrem-se então com este musicalmente cinematográfico "Neon Bible". Eternamente bíblico. Se isto não vos converter, considerem-se doravante seres definitivamente cépticos.

Casting para "Agnes e Jean"

2007-04-14T17:40:00.000Z

A produção de "Agnes e Jean", o mais recente projecto de Diogo Sousa, já arrancou. A ser rodada em 16mm, "Agnes e Jean" vem no seguimento do trabalho do realizador. Agnes é uma meretriz, amante de uma burguesia que tudo compra, incluindo ternura. Jean é o amante que quer eterno e no qual procura eternizar-se.

Decorrerá no dia 20, sexta-feira, entre as 11h e as 21h, no cineclube do Porto, o casting para escolha dos actores protagonistas. Mais informações disponíveis através do e-mail agnesejeanproducao@gmail.com

The Painted Veil

2007-04-04T23:21:00.000Z

Dois actores (Naomi Watts e Edward Norton) em estado de graça, são transportados (e transportam-nos) para uma paisagem (física e emocional) por descobrir. Porque se esta adaptação da obra escrita por W. Somerset Maugham, não é uma inesquecível experiência, não deixa de demonstrar uma enorme vontade de fazer cinema, um cinema que respira comoção e uma disciplina melodramática que prova a imortalidade de certos géneros e “formulas” de se expor uma história. Vem também ressaltar a tremenda importância que uma partitura (composta aqui por Alexandre Desplat) tem na criação de dinâmicas e representação de emoções e universos.

Fausto 5.0

2007-03-27T17:57:00.000Z

Não basta encontrar uma premissa mais ou menos interessante (não é isso que está em causa), sem nunca questionar a articulação que ela tem com os restantes componentes (personagens, por exemplo). Porque o objecto cinematográfico dificilmente se poderá reduzir a tão ínfimo universo. Passar toda uma narrativa a construir códigos, e daí partir para um jogo de enigmas com o espectador, não será suficiente para se identificar um qualquer componente dramático, nem tão pouco para aprofundar uma narrativa. Não se poderá dizer assim que entramos no campo do gratuito? Eu não procuro somente descobrir que 2+2 são 4, procuro acima de tudo perceber o primeiro 2, perceber o segundo 2, interliga-los, descobrir que cada um possui uma vida própria. Depois, descobrindo que ao serem somados darão como resultado 4, repetir o mesmo processo, ou seja, desvendar o seu interior. Por fim, receber a harmonia e (se possível) a genialidade, não das partes em separado, mas do todo.

2046

2007-03-20T23:38:00.000Z

Rodrigo Guedes de Carvalho pergunta a certa altura no seu livro “Mulher Em Branco”, “Para onde vão os amores que foram um dia?”. Eu respondo: Vão para "2046"...

To Build A Home

2007-03-19T18:43:00.000Z

Como dar conta (para quem ainda não foi alertado) do irreal single de “Ma Fleur”, o novo disco de “The Cinematic Orchestra”?
Um piano solta as primeiras notas… depois uma voz… e já nada é racional. Somos levados a percorrer inexplicáveis emoções num qualquer espaço intemporal. É de não conseguir respirar e ficar imóvel. Não conseguir encontrar a lágrima perfeita para ilustrar o que vai na alma. Inesquecível.
Já agora, o tema chama-se “To Build A Home” e para quem conhece “The Cinematic Orchestra” irá denotar uma considerável diferença entre esta sonoridade e a de trabalhos anteriores. Agora é esperar para ouvir o restante disco, e a verificar-se uma qualidade semelhante a este primeiro single, poderemos estar perante um dos melhores discos do ano. Sai a 7 de Maio (um mês bastante preenchido, diga-se) e foi pensado como uma banda sonora para um filme imaginário, porém, há quem fale na hipótese de o filme ser realmente feito. Eis o alinhamento do disco:

01. To Build A Home feat Patrick Watson

02. Familiar Ground feat Fontella Bass

03. Child Song

04. Music Box feat Patrick Watson/Lou Rhodes

05. Prelude

06. As The Stars Fall

07. Into You

08. Ma Fleur

09. Breathe feat Fontella Bass

10. That Home feat Patrick Watson

11. Time And Space feat Lou Rhodes

P.S. A voz é de Patrick Watson… e que voz! A fazer lembrar, pela infindável emoção nela expressa, alguém já referido neste blog. Aliás, e porque não aproveitar e descobrir este prometedor cantor já com dois discos editados (“Close to Paradise” e “Just Another Ordinary Day”)?!

Nip/Tuck

2007-03-18T21:18:00.001Z

Eis um objecto singular no panorama televisivo actual. E singular porquê? Em primeiro plano, porque durante muito tempo (depois de obter um considerável sucesso nos E.U.A) fora ignorado pelas televisões portuguesas (preocupadas em manter um formato ficcional assente numa proliferação de ideais estandardizadas e muito pouco originais, já para não referir a qualidade dos mesmos), sendo comprado pela TVI e posteriormente exibido vergonhosamente (aliás, como é habitual). Em segundo plano, porque estamos perante um desconcertante exercício de ficção.
Para quem desconhece esta série, poderá (se assim decidir) seguir, nas suas quatro sessões, a história de dois cirurgiões plásticos que se debatem diariamente com casos clínicos de uma ampla diversidade, bem como as suas vivências “privadas”, que evidentemente estão ligadas às primeiras.

E o que poderemos, para além deste pequeno esboço narrativo, apreender? Diria que podemos assistir a um universo que tem tanto de particular como de peculiar. Jogando brilhantemente com o conceito de superficialidade (o que está há superfície é sempre um espelho negro do interior), consegue conjugar (como poucos actualmente) vários géneros (drama, comédia, thriller, etc.), sem nunca perder um fio condutor, nem tão pouco cair numa esquematização de actos, ou seja, ficar reduzido a um aglomerar de cenas, mais ou menos, bem conseguidas. Para quem, distraído, pensar que Nip Tuck se fica apenas por um trabalho meramente formal (pelo extraordinário realismo nas sequências de operação cirúrgica), querendo de algum modo impressionar o espectador, deve, antes de mais, procurar no âmago da série o conceito da mesma: Não se trata aqui de reduzir uma imagem ao que de mais “superficial” (voltando ao conceito) ela contem, devemos, isso sim, olhar para todos os componentes que essa imagem invoca. Quer a nível de impressão quer a nível de expressão. E ao faze-lo, poderemos facilmente reconhecer o carácter eminentemente contemporâneo de Nip Tuck.

Resta ainda elogiar o extraordinário elenco (liderado por Dylon Walsh e Julian McMahon) fixo, bem como as surpreendentes aparições de “gente” tão diversa como Catherine Deneuve e Alanis Morissette. Uma última nota para a brilhante banda sonora, que inclui temas de Rufus Wainwright, Rolling Stones, Gotan Project, entre muitos outros.

"Volta" Bjork com Antony

2007-03-15T23:51:00.000Z

E está confirmado: Depois de meses de especulação (sabendo que se juntaram em estúdio), afinal irá ser num projecto de Bjork (o seu novo cd) que se poderá ver (ouvir, neste caso, em duas faixas) a dupla Antony/Bjork pela primeira vez. O cd sairá a 7 de Maio com o título "Volta", tendo "Earth Intruders" como primeiro single . Só nos resta esperar... e pedir muito muito para não ficarmos surdos até lá.

Be With Me

2007-03-12T22:57:00.000Z

Um enorme potencial. Pena não se cumprir ao longo de todo o filme. Presença em Cannes no ano de 2004, este é um daqueles objectos que (infelizmente) passam ao lado do “grande” público. Irregular na gestão do tempo, sublime no silêncio que esporadicamente vai penetrando não só nos espaços como também no coração dos que os habitam. Mas este silêncio não entristece, este silêncio é uma evocação sentida da necessidade de partilhar, da urgência de unir dois silêncios.

Flint Film Festival

2007-03-11T23:08:00.000Z

O Flint Film Festival começa a tornar-se uma estrela cintilante no universo dos mais recentes festivais de cinema. Decorrendo no Michigan, EUA, o FFF (como é conhecido) atrai cineastas e cinéfilos de todo o mundo. O festival garante a presença de filmes 100% independentes, oferecendo uma oportunidade única aos seus participantes e visitantes: verem e discutirem os filmes com os realizadores, produtores e argumentistas dos mesmos.
O Flint Film Festival tem conseguido, anualmente, surpreender não só pela selecção mas também pelos preços verdadeiramente "easy on the pocket"... Pena não ser por cá...

Mais informações em http://www.flintfilmfest.com
Data limite para submeter candidaturas: 31/03/07

Premiar o Cinema de Animação

2007-03-11T21:33:00.000Z

A organização do Odense Film Festival e The Danish Animation Association anunciaram esta semana que desejam cooperar para honrar e homenagear o Cinema de Animação, os seus filmes e autores. Assim, instituiram um novo prémio, o "Danish Animation Award" que será apresentado e entregue pela primeira vez na 22ª edição do Odense Film Festival. Este prémio será atribuido à melhor curta-metragem de animação em competição. Todas as curtas de animação concorrentes, dinamarquesas e internacionais, serão vistas e analisadas pelo júri constituído por cineastas, profissionais e personalidades importantes do cinema em geral e da animação em particular. Será atribuido, também, um prémio talento a um animador dinamarquês cuja obra se mostre de excepcional valor.

Regulamento e outras informações em www.filmfestival.dk.

Data limite para submeter candidaturas: 01/05/07

Dreamgirls

2007-03-07T23:41:00.000Z

Depois de alguns trabalhos interessantes (Gods And Monsters; Kinsey), Bill Condon chega-nos com este Dreamgirls. Uma obra que identifico como um objecto bem mais próximo do conceito televisivo que cinematográfico. Em primeiro plano, porque invoca referências, nas várias sequências “musicadas”, de cariz facilmente identificável com um qualquer teledisco de uma MTV pouco preocupada em olhar para o futuro, sempre relutante em se reinventar. Em segundo plano, encontramos um elenco cuja maioria tem como “projector” a própria mediatização inerente à televisão (Beyoncé, Hudson, etc).
Esta é pois uma obra que nem as raízes históricas em que se baseia consegue aprofundar (à excepção de algumas referências a personalidades da época). Resta-nos pois, a banalidade performativa de uma vencedora do Óscar para Melhor Actriz Secundária; uma presença que, apesar de tudo, não compromete (Beyoncé Knowles); e um sobrevalorizado Eddie Murphy.
Parece-me muito pouco, diria mesmo, nada, para tão grande alarido.

Notes On A Scandal

2007-03-06T19:07:00.000Z

Curioso caso este, em que duas mulheres, duas gerações, duas personalidades (muito bem trabalhadas, diga-se), se confrontam em extremos não muito explorados na normalização a que estamos sujeitos desde muito cedo, e por consequência de diversos meios. Falo é claro da complexidade que um corpo, provido de “cérebro”, pode atingir ao ser retratado (como personagem numa obra de ficção cinematográfica, neste caso). Porque as “coisas” não têm por norma apresentar-se-nos como produtos estanques e sujeitos a uma apreciação de caris exclusivamente valorativa: “gosto ou não gosto”, “é bom ou mau”. As “coisas” a que me refiro têm mais que dois universos, mais que duas facetas. As “coisas” não são preto ou branco, têm uma forma interior (e mesmo exterior) bem mais, digamos assim, imprevisível, acrescento, bem mais interessante. Porque se aquele “corpo” não é afinal assim, então como será? Será certamente um enigma que só irá beneficiar os dois papéis: o “nosso” como receptor, e o “dele” como emissor.

The Fountain

2007-03-06T00:58:00.000Z

…E para finalizar a noite de encerramento do Fantasporto 2007, a ante-estreia de “The Fountain”. O novo projecto de Darren Aronofsky; uma reflexão sobre a vida e a morte, o amor e a perda. Ambicioso; vaiado em Veneza, aplaudido em Toronto e no Porto (não com muito entusiasmo, devo acrescentar). Em que ficamos? Pois ficamos com a certeza de estarmos perante uma obra controversa. Por muitos considerada pretensiosa, por outros uma obra-prima incompreendida.

A título pessoal, diria que “The Fountain” não se encontra entre tais extremos. Se nem sempre consegue gerir os tempos dramáticos e unir da melhor maneira as três vertentes que invoca (passado, presente e futuro) caindo em certos facilitismos, o certo é que pontualmente cria ambientes físicos, emocionais (tremenda entrega por parte de Jackman e Weiz) e sensoriais (extraordinário contributo dado pela banda sonora da autoria de Clint Mansell) que o elevam a algo mais que um mero objecto de entretenimento. Um conselho: para quem estiver interessado, que tire por si mesmo as conclusões. Mesmo que saiam da sala desiludidos, valerá sempre a pena.

Fantasporto

2007-03-05T18:46:00.000Z

E para segundo post, aqui vai o que de melhor se apresenta por cá (Portugal) no que toca a eventos cinematográficos. Pois é, terminou mais uma edição do Fantasporto. Um exemplo de longevidade, e de prestígio (o mais importante festival português e, segundo a Variety, um dos 20 mais importantes festivais de cinema a nível mundial), esta foi a sua 27º Edição. Parabéns à organização. Aqui ficam os premiados:

SECÇÃO OFICIAL CINEMA FANTÁSTICO
GRANDE PRÉMIO: El Laberinto del Fauno de Guillermo del Toro (Mex – Esp – EUA)
PRÉMIO ESPECIAL DO JURI: Historias del Desencanto de Alejandro Valle (Mex)
MELHOR REALIZAÇÃO: Bong Joon-Ho por The Host (Cor Sul – South Kor)
MELHOR ACTOR: Sergi Lopez em El Laberinto del Fauno de Guillermo del Toro (Mex – Esp – EUA)
MELHOR ACTRIZ: Ariadna Gil em Ausentes (Esp)
MELHOR ARGUMENTO: James Moran por Severance (GB)
MELHOR EFEITOS ESPECIAIS: Re-Cycle de Danny & Oxide Pang (Tai – HK – Chi)
MELHOR CURTA-METRAGEM: The Listening Dead de Phill Mucci (EUA)
MENÇÃO HONROSA DO JURI INTERNACIONAL: The Bothersome Man de Jens Lien (Nor)

17ª SEMANA DOS REALIZADORES
PRÉMIO SEMANA DOS REALIZADORES: Un Franco, 14 Pesetas de Carlos Iglésias (Esp/Spa)
PRÉMIO ESPECIAL DO JÚR: Suicídio Encomendado de Artur Serra Araújo (Por)
MELHOR REALIZADOR: Un Franco, 14 Pesetas de Carlos Iglésias (Esp)
MELHOR ACTOR: Jung-Woo Ha em Time (Cor Sul)
MELHOR ACTRIZ: Isabella Leong em Isabella (HK – Chi)
MELHOR ARGUMENTO: Kim Fupzz Aakeson por Pure Hearts (Din)

SECÇÃO OFICIAL ORIENT EXPRESS
GRANDE PRÉMIO ORIENT EXPRESS: Isabella de Ho Cheung Pang (NK – Chi)
PRÉMIO ESPECIAL DO JÚRI: The Promise de Chen Kaigé (Chi – HK – Jap – Cor Sul)

MÉLIÈS D’ARGENT AWARDS
MÉLIÈS DE PRATA: Renaissance de Christian Volkman (Fra – GB – Lux)
MÉLIÈS DE PRATA CURTA-METRAGEM: Finkle’s Odyssey de Barney Clay (GB)

O Júri da Crítica: Paprika de Satoshi Kon (Jap)
O Júri do Público/Premio Jornal Público: Taxidermia de Gyorgy Pálfi (Hun – Aus – Fra)

HOMENAGEM
CINEMATOGRAFIA HOMENAGEADA: Cinema Grego

Prémios Carreira:
Henry Thomas
Rosanna Arquette
Ruy de Carvalho

Cinema Meu Amor

2007-03-04T22:42:00.000Z

Com o filme que inspirou o nome deste humilde blog, Alain Resnais assumiu-se como um dos precursores, por assim dizer, da “Novelle Vague”. Um hino ao amor, um dos filmes mais desesperadamente românticos da história do cinema. E é esse mesmo, o cinema, o mote para este espaço. Um espaço que pretende reflectir não só os diversos fragmentos que compõem a 7ª Arte, como também outros aspectos do áudio e do visual que nos rodeiam.
Apaixonados pela palavra escrita, pela palavra dita, pela palavra não dita, apaixonados pelas pessoas, por olhares, por vivências, por cores, por imagens e pela arte; escolhemos o cinema (ou foi o cinema que nos escolheu?) porque esta é a linguagem que queremos falar. E aqui falaremos cinema, de cinema, sobre cinema. Cinema, meu amor ou meu amor, Cinema…

Margarida Direito

Nelson Magina Pereira